[Reseña] Halt and Catch Fire

Título original: Halt and Catch Fire
Año: 2014
Duración: 10 episodios de 50 minutos
Creador: Christopher Cantwell y Christopher C. Rogers
Cadena: AMC
Reparto: Lee Pace, Scoot McNairy, Mackenzie Davis, Kerry Bishé, Toby Huss, Bianca Malinowsk, Alana Cavanaugh, Scott Michael Foster, Eric Goins, Morgan Hinkleman, Peter den Boer, Randall P. Havens
Género: Drama

Ambientada a principios de los 80, la serie dramatiza el auge de los ordenadores a través de los ojos de un visionario, un ingeniero y un prodigio cuyas innovaciones se enfrentan directamente a los gigantes corporativos de la época.

Poco o nada había oído hablar de Halt and Catch Fire. Sólo que contaba con Lee Pace entre sus protagonistas, pero cuando una amiga propuso empezar a verla una noche a ver que tal resultaba dije que sí sin saber muy bien cómo acabaría la cosa y el piloto enseguida nos dejó con ganas de más. 

Halt and Catch Fire está ambientada en el mundo de la informática, concretamente en 1983, en la segunda ola de desarrollo informático. Las grandes empresas como IBM o Xerox ya están consolidadas y manejan el mercado a su antojo, Silicon Valley ya es una realidad y mientras las pequeñas empresas buscan como mantenerse en la brecha.

Es aquí cuando aparece en escena Joe MacMillan (Lee Pace), el típico ejecutivo de ventas yuppie de los 80. Sabemos que ha dejado su trabajo en IBM y busca empezar una nueva etapa en Cardiff Electric, una pequeña empresa de Texas que se dedica a la venta de software y ordenadores a otras empresas. Pero Joe tiene un plan. Pretende crear un nuevo ordenador que haga temblar a IBM. Un ordenador que cambie el mercado por completo. Y para ello necesita de un ingeniero de hardware y un programador.

Y ellos son Gordon Clark (Scoot McNairy), un ingeniero de hardware que trabaja en Cardiff Electric y que tras el desastroso intento de creación de un ordenador años atrás se encuentra atrapado en su trabajo y el alcohol, y Cameron Howe (Mackenzie Davis), una joven estudiante de programación con una mente privilegiada y sorprendente visión de futuro para el mundo de la informática. Joe es el visionario del grupo, el soñador, el que va a llevar a este equipo de genios incomprendidos a lo más alto, sean cuales sean los métodos.

Lee Pace como Joe MacMillan

Y es que poco o nada hay que vaya a detener a Joe de su plan. Es mentiroso, instigador, fuerza la mano de quien haga falta para conseguir su objetivo. Es la expresión en máxima potencia de esos ejecutivos triunfadores de los 80 que eran todo coche caro, trajes de marca y pura fachada. Pero por otro lado podemos ver que a nivel personal hay algo que le ha afectado y le sigue afectando y mucho, algo que le está llevando a comportarse como lo está haciendo. Mira hacia adelante sin importarle que deja atrás. Algunas de sus escenas, como cuando se le ve vistiéndose en su apartamento pueden recordarnos a American Psycho. Lee Pace influye de vida a Joe en algunos momentos dejándonos ver que esa sonrisa que nos da en el fondo está vacía, que esos ojos esconden mucho más de lo que nos dejan ver.

Me imagino que muchos conoceréis a Pace por su papel de Ned en Pushing Daisies (Criando Malvas), por Thranduil en la trilogía de El Hobbit o por el más reciente Ronan el Acusador de Guardianes de la Galaxia. Para mí siempre será el personaje por el que le conocí, Calpernia en La chica del soldado, donde interpretaba a una mujer transexual. Es increíble ver como alguien que es capaz de ser tan femenino, a la vez puede tener el sexappeal masculino tan fuerte de Joe. Sus miradas, el movimiento del cuerpo hacen en algunos momentos que la actuación de Pace sea muy física. Joe sabe venderse y lo hace muy bien.

Conforme avanza Halt and Catch Fire vamos viendo que cada uno de los tres personajes principales tiene sus graves problemas: la falta de confianza en sí mismo de Gordon y sus problemas en casa con su mujer Donna, Cameron y sus problemas de autoridad y de perspectiva, y Joe que va enseñando su doble cara y todos los problemas que arrastra. Pero lo que importa es que su proyecto avance y conseguir diseñar y presentar el mejor ordenador del mercado: más rápido, más funcional, más pequeño.

Al principio tuve miedo de que la trama informática me quedara grande y muchas cosas me pasaran por encima de la cabeza, pero la verdad es que los conceptos se entienden con bastante facilidad, y si algo puede ser más complicado aparece explicado gracias a los personajes de la serie que tampoco saben nada del mundo de la informática y necesitan que les expliquen lo que se está creando más de una vez, como es el caso de John Bosworth, el jefe de ventas de Cardiff Electric que por culpa de todos los tejemanejes de Joe MacMillan se ve de repente lanzado dentro de un mundo del que poco o nada comprende. Además la trama nos mete también en lo que fue la base del desarrollo de las empresas informáticas en sus principios: robos y copias de patentes por todos lados. El hecho de que la viera con dos personas más que aficionadas a la informática que corroboraban los datos que aparecían y que se alegraran viendo algunos de los equipos o programas o empresas que se mencionan en Halt and Catch Fire me hizo ver que la serie ha sabido
tratar bien el tema.

 He leído en algunos sitios que se acusa a Halt and Catch Fire de ser un bonito envoltorio vacío de contenido. Podría ser, pero creo que es porque a medida que avanza la serie te das cuenta, o al menos así me lo pareció a mí, que lo que de verdad importa no es si realmente Joe, Gordon y Cameron conseguirán construir y presentar su ordenador, si no lo que están creciendo como personas en el proceso.  Llegó un momento en que me pregunté si prefería que su proyecto fracasara, pero ellos salieran más fuertes por ello o si era mejor que lo lograran, pero que no aprendieran nada. Porque a lo largo de los diez capítulos nos encontramos traba tras traba a la realización de su sueño. Cuando no es una demanda, es un error de alguno de ellos o es un problema externo. Problemas que ves como les van mermando fuerzas en el caso de Gordon, o haciendo más fuertes como a Cameron.

Es con estos problemas cuando vemos brillar al personaje de Donna (Kerry Bishé), la mujer de Gordon. Ingeniera como él, debe mantener un trabajo que no la satisface y llevar la casa, cuidar a sus dos hijas y apoyar a su marido para evitar que se derrumbe. Pero es una mujer muy capaz, tan inteligente o más que él, que le saca de más de un apuro. Había momentos en los que sólo quería abofetear a Gordon para que se diera cuenta de los errores que estaba comentiendo con Donna.

El final os puede dejar algo desencantados. A mi amiga le pasó eso, no acabó de gustarle. A mí en cambio me pareció muy acertado, pero ya os he dicho, a mí me gusta que se trabaje a los personajes más que a la historia y creo que cada uno acaba donde tenía que hacerlo. Lo que me da miedo es que ahora que se ha confirmado que habrá una segunda temporada no sé que harán para continuar la historia, que por otro lado tiene un final de etapa claramente cerrado.

En definitiva Halt and Catch Fire es una serie que os hará descubrir algo más sobre el mundo de la informática en los 80. Ese mundo que mucha gente a día de hoy no alcanza a comprender que no funcionara conectado a un dispositivo informático y a una red wifi 24 horas. Cuando la música se escuchaba en casettes y tener un VHS era de lo más molón.

ENLACES DE INTERÉS 

Página oficial de Halt and Catch Fire
Halt and Catch Fire en IMDB

Adiós a FOX Crime, hola a FOX Life

Fox International Channels (FIC) ha decidido cerrar el canal de pago Fox Crime en España y su lugar será ocupado por FoxLife, un canal destinado a un público mayoritariamente femenino (pero sin dejar de lado a los hombres). Con la aparición de la televisión de pago y la TDT ha aumentado la tendencia de los canales de segmentar cada vez más su público objetivo. Encontramos canales de deportes, de cine, de cocina, para niños, pero ahora está llegando una nueva división a la televisión española: canales de televisión para el público femenino y para el público masculino.

Es verdad que el canal Cosmopolitan, lleva años existiendo y siendo ofrecido en la televisión de pago, y puede que de ahí surgiera la idea de Mediaset para dar vida a su canal femenino Divinity (al menos tras su reconfiguración con la desaparición de La Nueve). Más tarde ya fue A3Media quien decidió darle también un giro a su canal Nova hacia el público femenino, y no sé de donde han sacado tanta telenovela. Ahora le toca el turno a FOX en España.

Fox Crime estaba dando buenos resultados, no sé cuanto de buenos los quería FIC, pero se situaba entre los 10 mejores canales de pago que ya es decir entre todo lo que hay por ahí. Si querían un cambio podrían haber mejorado su oferta con más cine. La temática policial y criminal podría parecer que les coartaba, pero nada más lejos, existen muchas series dedicadas a ese tema, la cosa está en variar algo más y no dar siempre las cuatro mismas. Que a uno le pueden encantar las series policiacas, pero ver siempre las mismas cansa. Además también contaba con la competencia de AXN que emite una programación más o menos similar.

FoxLife se supone que tendrá series, comedias, con una alta presencia de programas de no ficción (por favor que no sean realities) que "podrán verse en pareja". Cuando leo programas de no ficción me vienen a la mente los cientos de concursos sobre cupcakes y tartas que hay en Divinity, así como de búsqueda de trajes de novia, trajes de Miss, ropa de segunda mano, decoración... adictivos. Te pones a ver uno y cuando te das cuenta llevas cuatro horas viendo como hacen pastelitos.

A ver, siempre es más fácil encontrar lo que le gusta a uno cuando el canal ya te hace una selección, pero quién le dice al señor ejecutivo de esa cadena ¿qué es para mujeres y qué para hombres? Castle se emite en Divinity, es una serie en principio policiaca o de misterio, con subtrama romántica. ¿Es esa subtrama la que la hace femenina? ¿Es la trama de misterio? Medium, Entre Fantasmas... ¿si hay protagonista femenina es para mujeres?

FOXLife ya ha anunciado que contará, a partir de octubre cuando inicie sus emisiones, con The Good Wife, Scandal, Revenge o Anatomía de Grey entre sus series. Supuestamente el objetivo de este canal es que FOX ofrezca una programación más variada a sus espectadores. Algunas de las series que hasta hoy veíamos en Fox Crime pasarán a verse en FOX España y FOX Life se centrará en buscar una programación acorde a su público, haciendo hincapié en las producciones locales.

Ya veremos en lo que queda todo esto. Si al final FOX Life se centra en un público femenino o si está destinado a ambos. Por mi parte a mí me gustaba FOX Crime, sobretodo por las horas y horas de CSI. Y oye, se podía aprender mucho de esos programas de Crimen e Investigación. Y ahora os dejo, que tengo que ocultar un cadáver.

Jensen Ackles se une a Twitter y se desata la locura

Si hay algo que caracteriza a la sociedad actual son las Redes Sociales y tanto los fans como los famosos son muy conscientes de ello. Cuentas de Instagram, Pinterest, Facebook y Twitter de famosos cuentan con cientos, miles y hasta millones de seguidores. Algunos fans incluso inician campañas para que ese actor, cantante o deportista que admiran se una al mundo de las Redes Sociales. Uno de los últimos en caer el pasado domingo fue el actor estadounidense Jensen Ackles.

Imagen del perfil de Jensen Ackles

Jensen Ackles es principalmente conocido por su trabajo en la serie Supernatural, aunque se le ha visto antes en Smallville, Dark Angel (junto a Jessica Alba) o Dawson Crece. Su compañero de reparto, Jared Padalecki, se abrió una cuenta de Twitter hace ya unos años y los fans de la serie llevaban tiempo reclamando que Ackles se uniera también a la locura de esta red social.

El pasado domingo tuvo lugar en Vancouver (Canadá) una de tantas convenciones de Supernatural que se suceden a lo largo del año, y ante miles de fans Jensen Ackles finalmente accedió a abrir una cuenta en Twitter con hilarante resultado al comprobarse que poco o nada sabe del funcionamiento de esta red social. Tuvo que ser Padalecki el que le guiara en el extraño mundo de los hashtags, fotos del perfil usuario y arrobas. Lo cual ha dado lugar a divertidas imágenes y videos que ya circulan por, obviamente, las redes sociales.

Y es este el momento en el que la locura se desató. En menos de 2 horas desde la confirmación de la cuenta, que fue validada por Twitter de manera realmente rápida, @JensenAckles había conseguido más de 200.000 seguidores y sólo con haber twiteado una foto. El hashtag #JensenAcklesOnTwitter se convirtió en Trending Topic mundial, los fans de Supernatural son de los que más se hacen oír en esta red social. A día de hoy, tres días después, ya tiene 380.000. Todavía le queda mucho para llegar al más de millón y medio de seguidores de su compañero Padalecki (@jarpad), pero sólo hay que darle tiempo.

Lo que me pregunto es qué atracción tiene para los fans que el famoso al que admiran tenga una cuenta en una red social. Está claro que muchos famosos la tienen porque como cualquier hijo de vecino quieren comunicarse con amigos y familiares, normalmente estos famosos abren cuentas bajo nombres poco reconocibles y las mantienen cerradas al público. Pero otros famosos son ya conocidos por sus fotos de Instagram o por sus poco acertados twits. Incluso las noticias llegan a hacerse eco muchas veces de esto. Todos hemos visto fotos de Miley Cyrus circular por los telediarios y magazines sociales, así como twits de Sergio Ramos ser comentados por sus meteduras de pata.

Las Redes Sociales acercan a los famosos, les hacen humanos, falibles. Les vemos sin maquillar, con amigos, con familiares. Las redes sociales bajan a estas figuras mediáticas de sus pedestales y nos permiten entrar en sus casas aunque sea a través de una pequeña ventana. Famosos fueron los twits que se dirigían Ashton Kutcher y Demi Moore cuando aún estaban casados. Y cada vez que ocurre algo todos estamos pendientes del Twitter, Facebook, Instagram... para ver cómo reacciona ese famoso que siempre mete la pata en el peor momento.

Alright twitter...you win. #VanCon2014 #SPNFamily pic.twitter.com/FESgBpJkJo
— Jensen Ackles (@JensenAckles) agosto 24, 2014

Es el complejo de "vieja'l visillo" que todos tenemos, esa pequeña portera que llevamos escondida, el radio-patio del siglo XXI. Hay famosos que no callan, otros postean una vez cada 5 meses, algunas cuentas se ven claramente controladas por el equipo de publicidad y relaciones públicas del famoso, otras son sinceras.

Pero esto también tiene su cara más fea. El acoso. Muchos fans se creen con derecho a decir cualquier cosas en las Redes Sociales directamente a ese famoso. Internet nos ha hecho anónimos. Puedes insultarle a la cara y nunca sabrá quien eres. Muchos famosos han tenido que dejar las Redes Sociales debido a los cientos de mensajes desagradables que han recibido día tras día. Puedes ser fuerte mentalmente, pero algunas cosas llega un punto que cansan. Que un famoso decida compartir su vida "privada" contigo a través de las redes sociales es decisión suya, no te debe nada a tí ni a nadie.

Volviendo al punto de inicio Jensen Ackles sólo lleva dos twits hechos, no sabemos con cuanta frecuencia usará su cuenta. Su mujer ha tenido alguna que otra mala experiencia con esta red social y a su compañero Padalecki le han llamado la atención alguna vez por algún que otro desafortunado comentario (su respuesta a la muerte de Phillip Seymour Hoffman fue muy comentada), así que me imagino que Ackles irá con cientos de ojos.

Sólo nos queda seguirle y esperar.

 

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Gran noche para 'Sherlock' en los Emmy

Anoche se entregaron en Los Ángeles los premios Emmy, el equivalente a los Oscar en Estados Unidos, pero entregados por la Academia de la Televisión. Como siempre ocurre en las entregas de premios hubo sorpresas, ganadores, perdedores, glamour y alfombra roja. Leyendo hoy la prensa todo el mundo titula con la victoria de Breaking Bad en drama y Modern Family en comedia. Pocos, o nadie, mencionan a Sherlock y su gran noche con tres premios conseguidos, Mejor Actor en Película TV o Miniserie para Benedict Cumberbatch, Mejor Actor Secundario en Película TV o Miniserie para Martin Freeman y Mejor Guión en Película TV o Miniserie para Steven Moffat.

Es verdad que en drama y comedia no hubo grandes sorpresas, Breaking Bad se despide a lo grande y Modern Family continúa su reinado. La cosa viene cuando comparamos nominaciones y premios conseguidos. Sherlock podría haberse llevado 12 estatuillas a casa. Se volvió con un total de 7, las tres conseguidas anoche y cuatro técnicas obtenidas hace un par de semanas: Mejor Edición de Cámara en Película TV o Miniserie, Mejor Edición de Sonido en Película TV, Miniserie o Especial, Mejor Cinematografía en Pelicula TV o Miniserie y Mejor Música en Película TV o Miniserie. Esto la convierte en la serie que mejor resultado ha tenido en total en la 66 edición de los Emmy con el mayor número de premios conseguidos proporcionalmente.

Está claro que para muchos una miniserie no tiene la categoría de una serie, pero Sherlock cinematográficamente hablando son 3 películas. Sólo en Reino Unido la prensa ha titulado con la victoria de la serie de la BBC. Ése puede ser otro punto en contra suyo, era de los pocos productos británicos que competían en los Emmy gracias al convenio que BBC tiene con la PBS referente a la emisión de sus series en Estados Unidos.

Moffat recogió el premio a Mejor Guión

Es una lástima que la noche en la que Sherlock se alza con los premios es justo la noche que sus dos actores no pueden acudir a la gala por motivos de trabajo. Benedict Cumberbatch se presupone trabajando en preproducción de la nueva entrega de The Hollow Crown en la BBC donde dará vida a Ricardo III. El mismo papel que ha impedido a Martin Freeman acudir a Los Ángeles porque se encuentra dándole vida en el teatro. Ambos estuvieron presentes en su anterior nominación en 2012 y se volvieron a casa con las manos vacías.

Éste es el primer premio de alto rango que Benedict Cumberbatch recibe por su interpretación de un moderno Sherlock Holmes. Como he dicho ya ha estado nominado anteriormente a los Emmy y también a varios Bafta británicos, pero siempre volvía de vacío. Anoche por fin se alzó como ganador, arrebatándole el galardón a Martin Freeman, entre otros, que también estaba nominado en esa categoría por su trabajo en Fargo.

Me imagino que todo el equipo de Sherlock estará celebrándolo ahora en el Reino Unido. Steven Moffat comentó en las entrevistas después de recoger su premio que ya están trabajando en la cuarta temporada y que su planteamiento y desarrollo "hizo llorar a todo el mundo cuando se lo presentó". No quiero ni pensar en lo que podrán hacer, mejor alegrarse recordando que esta vez serán cuatro y no tres los episodios nuevos que nos esperan.

Aquí tenéis un listado completo de todos los nominados y ganadores de anoche.

Solidaridad y Redes Sociales: El reto del cubo de hielo

Creo que poca gente debe quedar ya que no se haya enterado de la existencia del llamado Reto del Cubo de Hielo, o Ice Bucket Challenge en inglés. Lo que empezó como una forma de llamar la atención sobre la enfermedad de la Esclerosis Lateral Amiotrófica (ELA) por parte de un joven estadounidense ha saltado la barrera de la viralidad y numerosos famosos han hecho públicos sus vídeos remojándose con cubos de agua llenos de hielo.

Bill Gates remojándose con sistema de poleas incluído

Pero como todos los memes que llegan a Internet el Ice Bucket Challenge no ha estado exento de polémica. Que si nos encontramos en época de sequía y esto es desperdiciar agua, que si al final nadie está donando y todo se está quedando en unos cuantos videos graciosos, que si los famosos sólo lo están haciendo por ganar popularidad... A ver, es verdad que en California, por ejemplo, están sufriendo ahora una fuerte sequía, pero eso tiene fácil solución, he visto a gente usar agua sacada del mar y de la piscina, y una bolsa de hielo la gastes para tirártela por encima o para echárselos al cubata va a estar ahí igualmente. Lo de donar y los famosos ya es otra cuestión. Aquí ha funcionado un poco el sistema del teléfono estropeado: la idea era llamar la atención y que la gente donara, luego se dijo que había que nominar a otras personas y que si te nominaban y no hacías el reto antes de 24 horas debías donar (la cantidad aquí varía de los 10 a los 100 dólares). Mucha gente sólo ha oído esta segunda parte y en cuanto hacían el reto dentro del tiempo previsto han pasado de donar, es verdad, pero lo que la gente no se da ha dado cuenta es que numerosos famosos han añadido links o han indicado la forma más fácil de donar a la organización para la lucha contra la ELA de su país, la ALS (Amyotrophic Lateral Sclerosis) en USA y la MND (Motor Neurone Disease) en Reino Unido. De esta manera muchos fans que han visto los vídeos han podido fácilmente donar. En Reino Unido han implementado incluso el sistema de donación vía SMS telefónico por el que es muy sencillo donar pequeñas (o grandes) cantidades de dinero.

Sí, es verdad que muchos famosos ni siquiera han hecho referencia a la enfermedad y parecían más pendientes de tirarse el cubo y nominar rápidamente a otros, pero otros famosos sí que han donada aparte de sufrir el remojón y se han explicado casos personales de familiares o amigos que han sufrido esta trágica enfermedad que te acaba atrapando dentro de tu propio cuerpo. Para los que no lo sepáis la ELA es la enfermedad que sufre Stephen Hawking y que va degenerando poco a poco sistema nervioso y músculos.

En España se ha creado polémica por esto último, por la falta de donaciones, pero gente como José Corbacho, Mónica Naranjo o Núria Roca han hablado claramente y han presentado sus donaciones, y sin ni siquiera necesidad de mojarse. Lo importante de este reto viral era llamar la atención, y vaya si lo ha hecho, creo que poca gente no estará a día de hoy concienciada con la existencia de la ELA, ALS o MND.

Benedict Cumberbatch es además portavoz de la MNDA en Reino Unido

A día de hoy, a pesar de todas las polémicas, lo que importa de verdad es que la ALS Association en Estados Unidos lleva recaudados casi 80 millones de dólares gracias al Reto del Cubo de Hielo. La MND Association en Reino Unido más de 760.000 libras y la Asociación Española de ELA (ADELA), tras un arranque lento lleva unos 14.000 euros. Creo que el principal problema en España ha sido la falta de difusión de un número de cuenta o forma de donación. Las campañas llevadas a cabo por la ALSA y la MNDA han sido mucho más fuertes y mucho mejor coordinadas, aquí nos ha pillado el toro un poco por sorpresa.Pero todo es dinero recaudado que ayudará a seguir investigando sobre esta enfermedad degenerativa y buscar una posible futura cura.

Al final la gente se está mojando y está donando (el cuerpo me pedía el juego de palabras), que es lo que importa y todos estamos pasando un buen rato intentando descubrir todos los videos de los famosos y ver quien se lo ha currado más. Así que aquí abajo os dejo con unos cuantos. Pero antes aquí tenéis diferentes links y formas de donar a esta causa, ahora sí que no tenéis excusa:

DONA EN ALSA.ORG             DONA EN MNDA                DONA EN ADELA

El remojón de Benedict Cumberbatch ha sido uno de los más comentados en la red.

Los tres "Chrises" de Marvel también se mojaron: Chris Pratt, Chris Hemsworth y Chris Evans.

Tom Hiddleston tampoco dudó en mojarse (y en nominar a Cumberbatch)

Neil Gaiman incluso se ha desnudado por la causa

Y como si sigo poniendo más no habrá forma humana de que la página cargue bien podéis encontrar muchos más videos de famosos en remojo recogidos en el canal de Youtube del Ice Bucket de la ALSA

[Reseña] Guardianes de la Galaxia

Título original: Guardians of the Galaxy
Año: 2014
Duración: 122 minutos
Director: James Gunn
Productora: Marvel Enterprises / Marvel Studios / Moving Picture Company (MPC) / Walt Disney Studios Motion Pictures
Reparto: Chris Pratt, Zoe Saldana, Dave Bautista, Bradley Cooper, Vin Diesel, Lee Pace, Benicio del Toro, Michael Rooker, Karen Gillan, Glenn Close, John C. Reilly, Djimon Hounsou, Ophelia Lovibond, Paulina Boneva, Josh Brolin, Laura Haddock, Emmett J. Scanlan 
Género: Ciencia Ficción - Acción - Aventuras - Comedia

El temerario aventurero Peter Quill es objeto de un implacable cazarrecompensas después de robar una misteriosa esfera codiciada por Ronan el Acusador, un poderoso villano cuya ambición amenaza todo el universo. Para poder escapar del incansable Ronan, Quill se ve obligado a pactar una complicada tregua con un cuartero de disparatados inadaptados: Rocket, un mapache armado con un rifle, Groot, un humanoide con forma de árbol, la letal y enigmática Gamora y el vengativo Drax el Destructor. Pero cuando Quill descubre el verdadero poder de la esfera, deberá hacer todo lo posible para derrotar a sus extravagantes rivales en un intento desesperado de salvar el destino de la galaxia.

Guardianes de la Galaxia es uno de los estrenos más esperados de este verano. Con un guión ágil, lleno de acción y comedia y los toques justos de drama, nos ha llegado una película que nos recuerda a los blockbusters de los 80 (puede que su banda sonora tenga mucho que ver). Primera película de una nueva franquicia que nos presenta y une a los personajes y nos deja preparados para todo lo que pueda venir detrás. Y todo con una carcajada en más de un momento. Entretenida y sales del cine realmente satisfecho después de ver la película. Marvel decía tener miedo con el estilo o aire diferente que esta nueva saga tiene respecto con Los Vengadores y que no fuera a gustar al público. No tienen nada que temer, más de uno al acabar la película seguro que está deseando hacerse con su propio Rocket y Groot, que roban la película de forma descarada.

Mucha gente está comparando esta película a Los Vengadores e incluso la está llamando la Star Wars de una nueva generación. Yo creo que ni una cosa ni la otra. Una película hay que valorarla por sí misma y no compararla con otras. Sí, ocurre en el espacio, pero creo que ése es el único punto en similitudes con Star Wars, la época, los efectos, el contexto del mundo del cine no nos permiten comparar lo que significó una película en su momento con lo que hoy día puede llegar a conseguir Guardianes de la Galaxia (y por otro lado, para mí Star Wars siempre estará por encima, sobre todo en cuanto a guión y personajes, pero esa es otra historia). En referencia a Los Vengadores, sí tiene similitudes, un grupo se enfrenta al malo que quiere destruir su mundo para gobernarlo y detrás de quien anda Thanos. Creo que ahí se acaban las referencias, porque como película Los Vengadores también es muy diferente. Los personajes ya habían sido introducidos previamente con sus películas propias, conocíamos sus historias y motivaciones, aquí se necesita media película para presentar a los personajes, hacer que el público empatice con ellos y luego juntarlos como el grupo de héroes de la historia. Funcionan de forma muy diferente la una a la otra.

Lo que me gusta de Guardianes de la Galaxia es que no es hasta el momento final cuando te presentan a los protagonistas como los héroes de la historia, y aún así es de refilón y con suerte, porque ellos son unos pringaos como Peter bien dice, son lo más chungo de cada casa. Esto es algo que Marvel nos ha señalado por activa y por pasiva en la promoción de la película y que no se cansan de recordarnos. Es más, son tan perdedores que no pueden ni tener escena épica de personajes reunidos como sí tienen Los Vengadores sin pifiarla. Nos encontramos con unos personajes que siempre se han valido por sí mismos, que nunca han tenido en quien apoyarse hasta que se conocen y aún así ha sido más bien cosa del destino y de la cabezonería de Peter Quill el que acaben siendo los Guardianes de la Galaxia. "Unos pringaos que esta vez esperan no pringarla por una vez en su vida".

Peter Quill, aunque prefiere que le llames 'Star Lord'

Sabía lo justito de los cómics de Marvel, pero creo que la película da las explicaciones justas para quien no tenga ni idea de este universo poder seguir el guión de la película sin perderse. La historia no es complicada, puede que haya algún momento en el que el guión para poder avanzar tenga algún que otro agujero, como el hecho de que Gamora así de primeras les cuente sus planes sin ninguna necesidad y eso de pie a la trama con la que continúa la historia, pero creo que la sensación final al ver la película es buena. Esto creo que en parte es gracias a la comedia que inunda la película por todas partes. Los toques de humor ya son marca de la casa en Marvel, pero hasta ahora creo que ninguna de sus película podía calificarse de comedia de acción, Guardianes de la Galaxia sí. La literalidad de Drax, la inocencia y simpatía de Groot, los sarcasmos y chulería de Peter y lo pirado de Rocket dan pie a muchos chistes y momentos cómicos, algunos mejor conseguidos que otros, pero dignos de unas risas todos ellos.

El peso de la historia aquí recae en Peter Quill, alias Star Lord, el único humano (o terrano) de la galaxia. Se gana la vida como saqueador y es su último trabajo el que le lleva a acabar conociendo al resto de personajes. Una vez vista la película no puedes negar la gran elección de Chris Pratt para el papel, sobretodo por su tiempo cómico, porque como he dicho antes, aunque Peter sea un hombre de acción la forma de soltar las frases que tiene Pratt, que ha crecido como actor cómico, le dan todo el fondo que necesita realmente Star Lord. Hay que darle puntos extras por sus movimientos pélvicos también (tenía que comentarlos o me daba algo). Creo que el hecho de que escuche música que reconocemos, que no tenga ningún poder en especial y que haga cosas como las que haría cualquiera de nosotros como coger lo primero que tenemos a mano y montarnos un karaoke por casa, hacen de Peter Quill un personaje muy cercano a la audiencia y con el que es fácil empatizar. Y hay también que reconocer el trabajo físico que ha tenido que hacer Chris Pratt para asumir el papel, su pérdida de peso y nueva forma física le pueden convertir en el nuevo héroe de acción del momento. Con su siguiente papel en Jurassic World podría asentar su nombre con facilidad en Hollywood.

A Zoe Saldana ya la hemos visto antes en películas de acción como The Losers, aquí su personaje en algunos momentos se queda bastante dimensional, algo parecido a lo que le pasa a Drax (Dave Bautista), pero creo que con el tiempo que tenía el guión para introducirnos a Gamora bastante bien ha quedado.

Quienes claramente roban la escena en Guardianes de la Galaxia son Rocket y Groot. Los diálogos del mapache modificado genéticamente y la planta músculo humanoide se pensaron cláramente para ser el contrapunto cómico dentro del guión, pero ambos personajes tienen momentos dramáticos muy buenos y puede que algunas de las mejores escenas. Además su animación está muy conseguida. No puedes imaginar que un árbol que sólo dice una frase pueda ser tan expresivo y el movimiento del pelo de Rocket es auténtico (cuando se levanta con el pelo chafado después de estar dormido tienes que reirte sí o sí). Además Rocket con su punto macarrilla y duro, pero con un fondo tierno al final se gana a la audiencia por goleada, sobretodo cuando es un experto en mecánica, ingeniería y crear cualquier tipo de arma. La escena final de Groot en la película es la que más os hará reir sin ninguna duda, lo que demuestra que los squetches de humor clásicos siguen siendo los que mejor funcionan.

Tanto Lee Pace en la piel de Ronan el Acusador, como Karen Gillan en el papel de Nébula (puntos para ella por afeitarse la cabeza por completo) me han encantado, sobretodo porque era la primera vez veía a ambos en un papel de malo y han dado la talla perfectamente, aunque estén bastante escondidos entre el maquillaje que llevan. A pesar de que tal vez no han tenido una gran expansión como villanos y sus motivaciones han sido las justas, pero eso por otro lado suele ser muy habitual en las películas de acción. Ronan quiere vengar a su raza y conseguir lo que cree su justo derecho, con Nébula no lo tenemos tan claro, al principio parece que sigue órdenes, pero en algunos momentos creo que tiene otros planes que no te presentan exactamente en la película y puede que se queden para más adelante.

La escena de la batalla espacial me pareció una de las mejores que he visto últimamente, sobretodo porque hacía tiempo que no veía el tipo de escena de batalla espacial con clara estrategia organizada desde un principio. El hecho de que cada nave esté en contínuo contacto con las demás, que vayan modificando sus movimientos conforme lo van necesitando y que trabajen en conjunto y no se dediquen simplemente a perseguirse los unos a los otros disparándose me pareció diferente y algo que se agradece ver de cuando en cuando. El hecho de que ya no sean las películas de Thor las únicas ambientadas en el espacio nos da también una nueva visión de todo ese mundo que está fuera de nuestra Tierra y del que no tenemos ni idea. Otras razas, otros malos, otros mundos y formas de vivir que Marvel tendrá que empezar a entralazar en algún momento con otras tramas que acontezcan en nuestro planeta.

Como me imagino que habréis visto Los Vengadores y su trama con el Teseracto y Thor: El Mundo Oscuro donde todo gira en torno al Éter, y con la aparición de Thanos en Guardianes de la Galaxia supongo que ya sabréis que las Gemas del Infinito juegan un papel muy importante en esta película y en el universo cinematográfico de Marvel. En esta película es donde nos explican qué son y qué pueden llegar a hacer.Y donde se nos da la pista de por donde puede moverse Marvel en un futuro cercano.

Por último comentaré la banda sonora que es muy diferente a lo que nos tiene acostumbrados Marvel. El walkman de Peter Quill juega un papel importante y no paramos de escuchar a lo largo de toda la película grandes éxitos de los 70 y 80 que todos hemos oído, cantado y bailado más de una vez y con las que se te van los pies en más de una ocasión. Poner esa música de fondo en las escenas de acción da una sensación completamente distinta a la que te esperas de una película de este tipo.

En resumen Guardianes de la Galaxia cumple con creces lo que promete. Comedia, acción, drama y héroes que no lo son tanto, pero que saben levantarse y decir aquí estamos cuando la situación lo requiere. Entretiene, sales del cine contento y seguramente se convierta en la película del verano. Un buen comienzo de una nueva saga para Marvel que va a ver así ampliado de manera exponencial su universo cinematográfico y que nos demuestra que 2014 ha sido su año con Capitán América: El soldado de invierno (que para mí sigue siendo la mejor película hasta ahora de la Fase 2 y puede que de todo el MCU) y ahora éstos nuevos héroes que vamos a volver a ver en un par de años sin duda.

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Guardianes de la Galaxia en IMDB

[Reseña] Sharknado 2: The second one

Título original: Sharknado 2: The second one
Año: 2014
Duración: 96 minutos
Director: Anthony C. Ferrante
Productora: The Asylum / SyFy
Reparto: Ian Ziering, Tara Reid, Kari Wuhrer, Vivica A. Fox, Kelly Osbourne, Andy Dick, Billy Ray Cyrus, Judd Hirsch, Judah Friedlander, Mark McGrath, Kurt Angle
Género: Ciencia Ficción - Acción - Catástrofes

Fin y los suyos se enfrentan a un tornado de tiburones... otra vez, esta vez en Nueva York. Secuela de la exitosa película para televisión Sharknado.

Ante todo lo que hay que tener muy claro a la hora de ver este tipo de películas es que obviamente no son buenas películas. Estamos hablando de películas con monstruos o catástrofes imposibles de serie B (o incluso serie Z si nos ponemos). Pero dentro de esa categoría de cine hay que decir que la saga Sharknado se está erigiendo en maestro y guía y Sharknado 2: The second one es una locura mucho más grande que su predecesora y con muchos más momentos de situaciones imposibles que, al menos en mi situación, dan lugar a carcajadas mucho más histéricas que en la primera entrega.

Cuando te sientas en tu sofá a ver Sharknado 2 sabes a lo que te enfrentas. Primero, estás en el sofá, porque esta película NUNCA la verías en el cine, y no por su argumento, si no porque no es una película en la que quieras desperdiciar dinero por mucha pantalla gigante que tenga el cine. Segundo, es una película de la productora The Asylum para el canal SyFy, es de monstruos imposibles y efectos especiales dudosos y tercero y último, es una secuela, hecha ex-profeso por el éxito de su predecesora y a todo correr como quien dice. Con todo esto en consideración no se puede decir que Sharknado 2 sea mala. Dentro de su categoría consigue lo que se propone, provocar risa ante sus situaciones absurdas y muertes sin sentido. Además llega más allá de lo que llegó Sharknado, intentando superarse a sí misma.

El mismo equipo que nos presentó Sharknado nos trae ahora la secuela y lo primero que notas es que en esta segunda entrega sí había presupuesto. Los efectos no siguen siendo nada del otro mundo, pero al menos esta vez no han utilizado imágenes de informativos para simular la tormenta, ni de documentales para cuando atacan los tiburones, y el nivel del agua es constante (más o menos) durante la película. Recuerdo que en Sharknado de repente el agua les llegaba por la ventanilla y cuando ampliaban el plano no había ni gota de agua por las calles de Los Ángeles.

Fin es ya todo un héroe

El mayor cambio que encontramos es la localización. Nos hemos trasladado a Nueva York, donde sus altos edificios, el metro y sus atracciones turísticas dan mucho juego, así como el propio espíritu neoyorkino. Porque ¿qué película habéis visto con catástrofe en Nueva York a la que no se haga alusión a ese espíritu que vive dentro de los neoyorkinos? Ninguna. Si eres de Nueva York eres la ciudad y si a tu ciudad le pasa algo tú la defiendes unido a tus vecinos. Lo vimos en el Spiderman de Sam Raimi y en muchas otras películas y no películas, me refiero a discursos de políticos y similares. Y Sharknado 2 aprovecha hasta la última gota de ese espíritu. Resulta que Fin Shepard (Ian Ziering) es neoyorkino y está de vuelta en su hogar. Con discurso levanta ánimos se presenta ante sus conciudadanos que gritan enardecidos y están dispuestos a enfrentarse con cuantos tiburones haga falta "Porque nadie se mete con Nueva York". La escena en la que la gente empieza a sacar todo tipo de armas, y con topo tipo me refiero a tooooodo tipo, de sus maleteros y empiezan a darle caña a los tiburones es hilarante.

La historia de Sharknado 2 nos lleva a un año después de los eventos que ocurren en la primera. Fin es un héroe a nivel nacional, ha vuelto con su mujer April (Tara Raid) que ha escrito el libro Cómo Sobrevivir a un Sharknado, libro que realmente existe y podéis comprar en Amazon, y, como he dicho están en Nueva York para promocionar el libro y ver a la familia de Fin.

Ya de por sí la película empieza fuerte con una catástrofe aérea, y si algo caracteriza a esta secuela son los homenajes. Hay referencias a Star Wars, Planet Terror, Spiderman, Indiana Jones y seguro que más que se me han escapado, si incluso hay chiste con la leyenda urbana de los cocodrilos vivos por las alcantarillas de Nueva York. Por no hablar de los cameos: Kelly Osbourne de azafata, Will Wheaton (friki donde los haya), Pérez Hilton, Billy Ray Cirus (si, el padre de la Miley) haciendo honor al papel de médico que le dió fama, incluso el piloto del avión es Robert Hays, famoso por la parodia de películas de catástrofes aéreas Aterriza como puedas, así que os podéis imaginar en ningún momento el equipo de Sharknado 2 se tomó muy en serio la película, y eso es bueno, porque ésta no es una película para tomarse en serio, la verdad. Hasta el taxista os será conocido por Numbers o Independence Day, es Judd Hirsch que en su momento saltó a la fama en una serie haciendo de... ¡taxista!

Choca mucho ver a Vivica A. Fox en Sharknado 2, más cuando su papel de exnovia de Fin con una subtrama de triángulo amoroso no pinta mucho la verdad, y después de ver su trabajo en películas como Kill Bill, pues no te la imaginas pateando el culo a tiburones. Pero creo que ella se lo está pasando bien y eso es lo que cuenta, aunque con esos diálogos no puedas pedir mucho de su actuación.

Los tiburones amenazan Nueva York

Otro punto que me hizo mucha gracia de Sharknado 2 es que mientras en la primera todas las noticias sobre los tornados y la tormenta las oíamos con voz en off de la periodista aquí han contado con la colaboración de los auténticos meteorólogos de las cadenas de televisión neoyorkinas, así como presentadores de magazines matutinos y noticas varias. Es como si tuviéramos a nuestra Mariló Montero junto a Roberto Arce y Matías Prats. Te das cuenta de que algunos cada vez que tienen que decir que un sharknado amenaza Nueva York se les escapa la risa, y los cromas del tiempo con tornados llenos de tiburones mientras la mujer del tiempo avisa de como avanza la tormenta son impagables, así como cuando se anuncian "lluvias de tiburones" y todo con la cara más seria y de circunstancias posible.

Sharknado 2 es locura. Si en la primera había tres tornados, pues aquí ponemos cinco. Si en la primera había una motosierra, aquí hay más y la de Fin es más grande (lo de la motosierra se convierte ya en un chiste a lo largo de toda la película), si tuvimos bombas, aquí nos cargamos edificios, si en la primera el cartel de Hollywood es destruído, pues aquí jugamos con la Estatua de la Libertad. Y para acabar, cual como si de una película de Marvel se tratara ¡vamos a ponerle escena de después de los créditos! Y cuando la veáis os recordará claramente a una escena de Marvel.

Resumiendo. Sharknado 2: The second one no se toma a sí misma en serio así que vosotros tampoco tenéis que hacerlo para poder disfrutar de ella. Muchos han dicho que ha perdido la frescura y originalidad de la primera, puede ser, pero lo compensa con hacerlo todo más a lo grande. Ya está en marcha una tercera parte. No sé que esperar, porque una cosa es que estas películas te hagan gracia, pero otra es estirar demasiado la idea y que al final todo sea un poco más de lo mismo. Pero como iba diciendo. Si queréis reiros un rato en el sofá y quemar unas cuantas neuronas Sharknado 2 es perfecta.

ENLACES DE INTERÉS

Página oficial de Sharknado 2 Syfy
Página oficial de Sharknado 2 The Asylum
Sharknado 2: The second one en IMBD

Llegar a cobrar un millón de dólares por episodio

Se suponía que a principios de esta semana arrancaba el rodaje de la octava temporada de The Big Bang Theory, pero el hecho de que los actores todavía no tuvieran un contrato en firme para dicha temporada digamos que lo hizo imposible y el rodaje se pospuso de manera indefinida. Os preguntaréis cómo una cadena no tiene a los actores bajo contrato semanas o meses antes de iniciar un rodaje. Sencillo, tocaba revisar y renovar contratos y durante todo el paro de verano ni productora ni actores se pusieron de acuerdo.

Esto es lo que pasa cuando una serie alcanza el éxito y toca revisar contratos. A veces alcanzar el acuerdo es muy sencillo, tanto cadena como actor ven los cambios necesarios, coinciden en las nuevas exigencias y subidas salariales y todos contentos. Sin embargo en otras ocasiones no es tan fácil. Son aquellas en las que la cadena quiere continuar adelante con la serie por todos los ingresos que consigue con ella, suele ser una de las series reina de su programación, cosecha premios, audiencia, publicidad, merchandising... lo que se traduce en dinero, mucho dinero para ella. Desde el lado del actor en estas ocasiones podemos encontrarnos con dos posibilidades: que él también quiera seguir adelante con la serie, así que la subida de sueldo que se le ofrezca, siempre que la considere justa, será aceptada y todos contentos. Pero hay un segundo posible, que el actor esté cansado de la serie, tema encasillarse, quiera explorar otras posibilidades en cine (cosa que un calendario de trabajo televisivo hace imposible) y sabiendo que sin él o ella la serie no podría continuar exige una mayor subida salarial, mayores derechos y mejoras por todas partes.

No se ha comunicado nada la verdad, pero a mí me da que con The Big Bang Theory ha pasado esto segundo, la serie tiene mucha audiencia y sus actores se encuentran en un momento en el que podrían usar su fama para abrirse camino en otros proyectos. Tras tiras y aflojas con la productora Warner Bros y la cadena CBS,Johnny Galecki (Leonard), Jim Parsons (Sheldon) y Kaley Cuoco (Penny) cobrarán a partir de ahora un millón de dolares por episodio durante los tres próximos años, una subida más que notable si tenemos en cuenta que hasta ahora cobraban 300.000 dólares. En cuanto a Simon Helberg (Howard) y Kunal Nayyar (Raj) sólo se sabe que también han conseguido aumentar sus sueldos que anteriormente eran de 125.000 y 75.000 dólares respectivamente.

esta semana han acabado llegando a un acuerdo todos los actores y firmado sus nuevos contratos. Se ha confirmado que los tres protagonistas principales,

No es la primera vez que un actor televisivo llega a cobrar el millón por episodio. La primera vez que ocurrió fue en Friends allá por 2002 cuando los seis actores renovaron sus contratos por esa cantidad para seguir trabajando, lo que convirtió a la serie en la más cara del momento. Sin embargo no creáis que no hay sueldos mayores ya que no es la mayor cifra cobrada ni mucho menos, Charlie Sheen tiene el honor de ser el actor televisivo mejor pagado de la historia con 1.800.000 dólares (unos 1,35 millones de euros, casi nada) por episodio en su época en Dos hombres y medio, seguido de Tim Allen, el famoso Chapuzas en casa con 1.250.000 dólares y Ray Raymond de Todo el mundo quiere a Raymond que cobró 1.200.000 dólares.

Pero como he mencionado antes no sólo se mejoran los sueldos. Parsons, Cuoco y Galecki se llevarán además un porcentaje de lo que produzca la serie (me imagino que Helberg y Nayyar habrán conseguido algo parecido aunque con un menor porcentaje), así que sus ganancias en total serán mayores. En otros casos los actores no usan su valía para mejorar sus contratos salarialmente si no para conseguir otros beneficios como hizo David Duchovny, el Agente Mulder de Expediente X, que movió todos los hilos que pudo para que la producción de la serie pasara de rodarse en Vancouver a la soleada Los Angeles para poder estar más cerca de su familia. Este cambio afectó en gran manera a la cinematografía de la serie a partir de la sexta temporada cuando los grises y lluviosos cielos de Canadá dieron paso al sol californiano.

Nos pueden parecer cifras o situaciones muy descabelladas, pero si la cadena y la productora acceden es porque sacan mucho más de lo que dan. A día de hoy The Big Bang Theory es una de las comedias más rentables en el panorama televisivo y la única que queda en la CBS después de que finalizara Cómo conocí a vuestra madre, así que es sensato suponer que los directivos se hayan agarrado a ella como un clavo ardiendo accediendo finalmente a las exigencias de los actores.

El canal Energy emitirá 'Supernatural'

La serie americana Supernatural (Sobrenatural) pasará a engrosar la programación de Energy los fines de semana a partir del próximo sábado 9 de agosto. Tras su paso por varias cadenas veremos si la audiencia española le presta más atención esta vez durante la sobremesa.

Dean (sentado) y Sam Winchester

La primera en probar suerte con Supernatural fue TVE1, emitiendo un par de temporadas en horario de tarde durante el verano, de ahí pasó a La2, también en horario de tarde. Más tarde ya en 2010 Cuatro volvió a reestrenarla emitiendo otra vez sólo las dos primeras temporadas. Y sí, otra vez en horario de tarde y dando un par de episodios por día. Una vez en posesión de Mediaset la serie pasó al TDT y se volvió a emitir en FDF (Factoría de Ficción), donde por primera vez pudieron verse hasta cuatro temporadas de las nueve de las que consta ahora esta serie.

Ahora será Energy quien cada sábado y domingo a partir de las 15:30 emita tres episodios de Supernatural desde el principio. Esto dará oportunidad de que aquellos que nunca han visto la serie puedan seguirla desde su primer episodio. Y por lo que parece esta vez la cadena tiene la intención de emitirla por completo

Supernatural arrancó un 13 de septiembre de 2005 en el extinto canal estadounidense WB, propiedad de Warner Bros, que al año siguiente pasó a convertirse en la CW y donde sigue la serie hasta hoy, a punto de estrenar su temporada número 10 el próximo 7 de octubre.

La serie cuenta la historia de dos hermanos Dean y Sam Winchester, que han sido criados en la carretera por su padre dando caza a toda criatura sobrenatural (hombres lobo, fantasmas, wendigos, demonios...) que encontraban a su paso. Fue la muerte de su madre en extrañas circunstancias lo que marcó la vida de la familia Winchester. Muchos años más tarde los hermanos, subidos en el coche que siempre ha sido su hogar, un Chevrolet Impala del 67, deberán buscar a su padre que se encuentra en paradero desconocido mientras continúan con el legado familiar.

Jared Padalecki y Jensen Ackles

Supernatural es una de mis series favoritas, gracias a ella he conocido a grandes amigos y vivido experiencias irrepetibles como la Rising Con en 2010 donde conocí en persona a sus dos protagonistas, Jensen Ackles (Dean) y Jared Padalecki (Sam). La he estado siguiendo prácticamente desde la emisión de su primer episodio y he estado con ella en sus momentos altos y bajos. Hay que reconocer que la serie cambia mucho conforme van avanzando las temporadas. La simple trama de los dos hermanos en busca de su padre de la primera temporada ha dado lugar a la apertura de puertas del infierno, a luchas apocalípticas, a ángeles contra demonios, a resurrecciones, a muertes de muchos amigos, a la aparición de nuevos compañeros de viaje y a tramas mucho más ambiciosas de lo que en un principio parecía la serie.

Mis favoritas siempre serán las primeras tres temporadas, luego sentí como si Supernatural fuera haciéndose demasiado grande y su universo quisiera abarcar mucho más de lo que había planeado, lo que dió lugar a historias, en mi opinión, que poco a poco se han ido alejando de lo que era el corazón de la serie.

Eric Kripke fue el creador de esta serie, pero tras cinco temporadas sintió que el plan que él había trazado en su mente para los Winchester ya estaba cumplido y decidió dejar a la serie en manos de otros guionistas como fueron Sera Gamble durante las temporadas 6 y 7 y Jeremy Carver que tomó las riendas en la temporada 8 y todavía continúa al frente.

Dean y Sam en la novena temporada

Espero que esta quinta vez que Supernatural llega a nuestras pantallas sea la definitiva, al menos en abierto, porque el canal de pago AXN también la emitió al poco de estrenarse y es donde mejor se la ha tratado y más éxito ha tenido en España, acabando ahora de emitir la octava temporada. Las cadenas siempre se quejan cuando compran los derechos de una serie extranjera debido a lo mucho que se habla de ella en los foros de Internet o por sus audiencias, pero luego cuando la emiten y no consigue público se enfadan y la serie pasa a una estantería donde empieza a coger polvo pasados unos pocos episodios en antena. La causa es muy sencilla. No puedes coger una serie y emitirla en horarios extraños.

Supernatural se ha emitido en horario de mañana, de tarde y de noche. Pero nunca de forma semanal, si no que de forma diaria. En algunas cadenas era un episodio al día y en otras llegaron hasta tres. En algunos momentos no se sabía ni que se emitía, un día hacías zapping por el TDT y ahí estaba. Esperemos que ahora Energy la cuide un poco más. El horario de sobremesa en fin de semana no es de los mejores, es hora de siesta y descanso, y enganchar a nuevos espectadores puede ser difícil, pero por otro lado los fans que han seguido su emisión al nivel de Estados Unidos pueden aprovechar esta ocasión para hacer un revisionado de su serie favorita y recordar esas primeras temporadas.

Editado: Para los que siguen buscando información, Energy sigue emitiendo la serie y el 28 de diciembre empezó la séptima temporada.

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200 episodios de Supernatural

Las bibliotecas tendrán que pagar por el préstamo

Después de varios tira y afloja entre la administración y el sector bibliotecario el pasado viernes se aprobó el Real Decreto que establece el pago de los derechos de autor por sus obras prestadas en establecimientos públicos. Este decreto viene a finalizar la reforma de la Ley de Propiedad Intelectual de 2007 en la que ya se establecía que las bibliotecas debían pagar derechos de autor a través de las entidades de gestión correspondientes, pero faltaba determinar la forma y cuantía de pago que se establecería en un plazo de un año en un porterior decreto.

Siete años ha tardado en llegar ese decreto que establece y desarrolla las cantidades y modo de pago de dichos derechos de autor. El Boletín Oficial de Estado del pasado viernes 1 de agosto recogía el Real Decreto 624/2014, de 18 de julio, por el que se desarrolla el derecho de remuneración a los autores por los préstamos de sus obras realizados en determinados establecimientos accesibles al público.

Si leemos el decreto vemos que esos establecimientos a los que hace referencia no son sólo las bibliotecas públicas a las que todos acudimos, sino, tal y como recoge el Artículo 2.1, a cualquier préstamo de obras con derechos de autor que se lleve a cabo en "museos, archivos, bibliotecas, hemerotecas, fonotecas o filmotecas de titularidad pública o que pertenezcan a entidades de interés general de carácter cultural, científico o educativo sin ánimo de lucro, o a instituciones docentes integradas en el sistema educativo español." 

La Ley de Propiedad Intelectual de 2007 ya establecía que las bibliotecas pagaran 0,2 euros a los autores por cada ejemplar suyo que tuvieran dispuesto para el préstamo. El nuevo decreto reduce esta cantidad a 0,004 euros por obras en préstamo con derechos de autor, pero le suma una nueva tasa por usuario que hay que añadir.

Sí, habéis leido bien, una tasa por usuario. Estas instituciones no deberán pagar sólo por los derechos de autor, si no que también desde el día siguiente de la entrada en vigor del decreto, es decir el pasado sábado, estarán obligadas a pagar 0'05 euros por cada uno de los usuarios inscritos que hagan uso efectivo del servicio de préstamo durante un año, aunque en ningún momento se lleven prestadas obras con derechos de autor. Me explico, imaginemos que una biblioteca tiene una sección con obras clásicas del Siglo de Oro, obras que ya son de dominio público y están exentas de derechos de autor, pues aunque un usuario sólo se haya llevado este tipo de obras la biblioteca igualmente deberá pagar una tasa por él a los centros de gestión. Y quien dice literatura del Siglo de Oro dice tragedias griegas, literatura medieval u obras de finales del siglo XIX.

Así que ahora la remuneración que se llevarían los autores por sus obras prestadas vendría de la suma de los 0,004 euros por obra más los cinco céntimos por usuario, que me imagino se dividirían entre todos los autores, aunque la cosa no está muy clara, porque el Ministerio de Cultura deja en manos de las entidades de gestión de derechos de autor y ellos se lavan un poco las manos. La cosa no queda ahí, porque esta nueva forma de pago que seguro liará a más de un centro todavía no entra en vigor. Mientras la tasa por usuario ya está en marcha no será hasta el 1 de enero de 2016 cuando entre en funcionamiento el cobro de los 0,004 euros, hasta ese momento el Ministerio ha establecido que la cuantía ha pagar se establezca multiplicando 0,16 euros por el número de obras adquiridas cada año para préstamo, sin dejar claro si se refiere sólo a las obras con derechos de autor o no.

Al menos este pago ha dejado libres a aquellos establecimientosde titularidad pública que presten servicio en municipios de menos de 5.000 habitantes, incluyendo los servicios móviles cuando realicen el préstamo en dichos municipios y a las bibliotecas de las instituciones docentes integradas en el sistema educativo español. Además de que no generarán derecho de remuneración las consultas realizadas in situ de cualquier tipo de obra, los préstamos entre los propios establecimientos de préstamo y los préstamos para discapacitados.

Faltará ver en que se traduce todo esto, porque todo este dinero saldrá de los impuestos que pagamos ya que es de lo que se nutren las bibliotecas y servicios de préstamo. Puede que muchas bibliotecas tengan que modificar su funcionamiento al ver su presupuesto mermado a mediados de año, la adquisición de nuevos ejemplares, mejoras en el centro, actividades, etc, se verían afectadas.

Se acaba una época para el Studio Ghibli

El Studio Ghibli es uno de los estudios de animación japoneses más conocidos a nivel mundial gracias a sus series y películas y cuando ayer se corrió la voz de que cerraba sus puertas más de un fan del manga y anime se echó las manos a la cabeza. La noticia corrió como la pólvora por foros, webs y redes sociales, pero horas más tarde se confirmó que no se trataba de un cierre, si no de una reestructuración por la que se ve obligada a pasar la empresa debida a diversos factores.

Fue Toshio Suzuki, uno de los fundadores del Studio Ghibli y ex-presidente del mismo, quien anunció ayer en el programa Jounetsu Tairiku, de la cadena japonesa MBS, que el estudio dejaría la producción de animación, aunque esta afirmación que en un momento pareció muy tajante, más adelante dejó entrever que se trataba de un cese temporal, un parón necesario para ver que dirección tomaría ahora el estudio tras los cambios sufridos recientemente.

Y es que hemos de recordar que Hayao Miyazaki, otro de los fundadores de Ghibli, y la cabeza más visible, se retiró en septiembre de 2013, dejando al estudio sin un líder al frente. En noviembre del mismo año el tercer fundador, Isao Takahata, también se jubilaba, y este pasado marzo el propio Suzuki anunciaba que dejaba su cargo.

El hecho de perder a sus tres fundadores, principalmente a Miyazaki, junto al hecho de que sus últimas películas han fracasado en la taquilla japonesa y no han recaudado lo esperado, causando importantes pérdidas al estudio, son seguramente los motivos de esta reestructuración a la que va a someterse el Studio Ghibli. En un principio, cuando se oyó lo del cierre de producción se pensó que la empresa se mantendría como marca para gestionar todos sus productos, que recordemos que son unos cuantos.

Hayao Miyazaki

Tras el último batacazo del estudio con Kaguya-Hime no Monogatari (La Leyenda de la Princesa Kaguya), último proyecto dirigido por Isao Takahata y con un alto coste de producción, y la película actualmente en cartel Omoide no Marnie (When Marnie Was There), parece que Ghibli no tiene ningún otro proyecto a la vista y es por eso que ahora ha decidido realizar este parón y pensarse las cosas. Según parece se disolverá el equipo de producción fijo con el que contaba el estudio "y se contratará a trabajadores externos como freelances", algo que el estudio ya hacía en sus orígenes, pero que cambió a partir de la película de Porco Rosso en 1992. El mantener a un equipo fijo de manera constante le ha salido muy caro a Ghibli, y a otras empresas de animación, ya que la empresa ha generado así unos costes demasiado altos que sus películas no conseguían cubrir últimamente. Esta forma de trabajar hacía que los animadores cobraran todos los meses hubiera un proyecto en marcha o no, algo que se sustentaba gracias a los altos ingresos que conseguían entonces las películas de Miyazaki y Takahata, pero que hoy día era imposible de mantener.

Mientras se lleva a cabo este cese temporal de la producción y reestructuración de la empresa, Studio Ghibli va a centrarse en la generación de licencias para posibles proyectos futuros, así como en el Museo Ghibli que por supuesto no cerrará sus puertas. Además parece que sí mantendrán un pequeño equipo de producción por si hay necesidad de desarrollar alguna idea futura de Hayao Miyazaki, que aunque retirado como director de largometrajes, todavía sigue manteniendo un cargo dentro del estudio y realiza proyectos destinados al museo.

El único departamento que no sufrirá será el de Momonoma, dedicado a la producción de anuncios y video-clips y que se mantenía gracias a un equipo freelance bajo las órdenes de Yoshiyuki Momose.

'Mi vecino Totoro'

El Studio Ghibli fue fundado en 1985 por Hayao Miyazaki, Isao Takahata y el productor Toshio Suzuke para poder trabajar con total libertad y no verse atados a ninguna gran compañía. Gracias al gran talento de Miyazaki y Takahata el estudio se fue levantando poco a poco apoyándose siempre en la animación tradicional, de la qe todavía a día de hoy hacían gala. Lo que empezó como un pequeño proyecto llegó a ser referente en el mundo de la animación japonesa. El Viaje de Chihiro marcó una ntes y después al alzarse con el Oso de Oro del Festival de Berlín en 2002 y el único Óscar concedido a una película de animación no oocidental. Esto hizo que el nombre de Ghibli sonara en todo el mundo y público que no conocía su obra volviera la vista atrás a La princesa Mononoke, La tumba de las luciérnagas, Porco Rosso, Kiki's Delivery Service o Mi vecino Totoro, uno de los primeros proyectos del estudio estrenado en 1988 y un icono ya en Japón. Después de El Viaje de Chihiro llegarían El Castillo Ambulante, El viento se levanta o Ponyo en el acantilado, entre otras.

[Reseña] In The Flesh

Título original: In The Flesh
Año: 2013
Duración: 2 temporadas 9 episodios de 60 minutos
Creador: Dominic Mitchell
Cadena: BBC
Reparto: Emily Bevan, Harriet Cains, Steve Cooper, Kenneth Cranham, Marie Critchley, Juliet Ellis, Steve Evets, Steve Garti, Karen Henthorn, Sandra Huggett, Luke Newberry, Riann Steele, Kevin Sutton, Gerard Thompson, Stephen Thompson, Ricky Tomlinson
Género: Drama - Zombie

Situada después de un brote de zombis en el ficticio pueblo de Roarton, el adolescente Kieren Walker es re-animado, junto con otros miles de personas muertas. Después de meses de rehabilitación y medicación, se considera que los zombies están listos para ser devueltos a sus hogares y familias. 

Ante todo tengo que empezar esta reseña dando las gracias a Sandra, mi amiga que una y otra vez me reiteró que debía ver In The Flesh diciéndome que era más que una serie de zombies al uso. ¡Y vaya si tenía razón! Esta serie es antetodo un drama, sí con zombies, pero dramón al fin y al cabo. Es un estudio de nuestra sociedad, un espejo donde se miran miedos, rencores y problemas que nos encontramos todos los días a nuestro alrededor. Y tiene zombies, perdón, afectados por el Síndrome del Parcialmente Muerto.

Normalmente las películas y series de zombies que nos llegan hablan siempre del conflicto. Los muertos se han alzado de sus tumbas y atacan a los vivos mientras estos se defienden con cualquier arma que tengan a mano. Da igual que sea una película más de acción, drama o incluso comedia, como es el caso de Shaun of the Dead (Zombies Party). Lo que se nos muestra es el momento. Ya sea el inicio del ataque o meses o años dentro de la guerra. Tenemos a humanos supervivientes escondidos o agrupados en pequeñas colonias y zombies que van a por ellos. ¿Pero qué pasaría una vez acabe esa guerra?

Kieren antes de someterse al tratamiento

Esto es lo que nos ofrece In The Flesh. La narración comienza con la vuelta a casa de Kieren Walker, un joven de 18 años fallecido hace 4 y que como muchos otros se levantó de su tumba. Por lo que nos cuentan The Rising (Alzamiento o Levantamiento) de los muertos ocurrió hace unos 3 años y durante la guerra entre humanos y zombies dos científicos crearon un compuesto químico, la Neurotriptilina, que permite que las neuronas y conexiones cerebrales de los zombies se regeneren, haciéndoles volver al estado anterior a su muerte aunque con algún que otro efecto secundario. De esta forma la guerra ya no ha sido contra muertos vivientes, si no contra enfermos no tratados del Sindrome del Parcialmente Muerto (SPM). El Gobierno se está encargando de capturar a todos estos enfermos, tratarles y reintegrarles en sus hogares.

Pero no todo es tan fácil. Estos enfermos no recuperan el color de su piel, ni de sus ojos, están obligados a llevar maquillaje y lentillas para pasar desapercibidos, no comen ni beben y si corazón sigue sin latir. Además la medicación es de por vida, o en este caso para siempre ya que no pueden morir a no ser que se ataque su cerebro, y si se olvidan de una dosis pueden volver al estado rabioso y atacar de nuevo.

Es en esta situación en la que Kieren vuelve a casa con sus padres y su hermana pequeña, pero en estos años han cambiado muchas cosas. No todos los vivos aceptan que los afectados por el SPM vuelvan, siguen sin fiarse de ellos llamándoles "podridos". Incluso los padres de Kieren, como buenos ingleses, aunque le aceptan es más bien ignorando al elefante en la habitación. Para nuestro protagonista las cosas tampoco son fáciles desde el punto de vista personal. La medicación le permite recordar y se siente ahogado por la culpa de todo lo que hizo mientras fue zombie, perdón, estaba sin tratar, y no acaba de aceptar que ahora esta es su vida.

La historia además se enclava en Roarton, una pequeña comunidad inglesa en mitad del campo. Una de las zonas más radicales contra los podridos y donde el Ejército de Voluntarios Humanos (EVH) cobró forma. Y donde os imaginaréis las cosas no van a ser nada fáciles, ya que a pesar de lo que diga el Gobierno, el EVH sigue todavía en funcionamiento allí.

Amy y Kieren

Pero no todo será malo, Kieren conocerá a Amy, otra afectada del SPM, con una visión completamente diferente a la suya de la vida. Ella se acepta, trata de vivir esta segunda oportunidad que se le ofrece al máximo. Se niega a llevar maquillaje porque si ella es así deben ser los demás los que la acepten y no ella la que se someta a ellos. A través de ambos vemos dos situaciones completamente distintas, dos vidas diferentes y dos formas de aceptar lo que ha pasado. La verdad es que Luke Newberry es un actor prácticamente desconocido aunque lleve bastante tiempo trabajando, pero su papel en In The Flesh como Kieren es magnífico. Te atrapa, te hace ver sus miedos, te enternece, ves como su relación con los que le rodean hace avanzar a la trama, pero al mismo tiempo que quieres verle madurar te gustaría achucharle y decirle que esté tranquilo, que todo saldrá bien.

Las dos temporadas de In The Flesh son bastante distintas en cuanto al tono se refiere. En la primera nos encontramos con el conflicto dentro de una comunidad pequeña, vemos como todo esto afecta a nivel familiar. Bill Macy y su hijo Rick son parte central de la trama. Vemos la negación, la hipocresía de la gente. Ese "mientras no lo mire a la cara no existe". En esta historia nadie es bueno, hay gente mala igual que hay afectados por el SPM malos. Aunque la balanza en algunos momentos se incline más por los enfermos. En la segunda temporada la historia se abre, aunque sigamos en Roarton ya vemos más el alcance a nivel país, han pasado unos meses y la situación se ha politizado, tanto en la vertiente humana como en la de los No-Muertos, como se llaman a sí mismos los zombies. Tanto unos como otros quieren lo mejor para sí mismos, hay movimientos extremistas, ataques terroristas... mucha gente sigue teniendo miedo a los podridos y los No-Muertos buscan no ser marginados. En esta segunda parte entran en escena Maxime por parte de los humanos y Simon por los No-Muertos.Cada cual con su agenda y sus motivaciones más o menos justificadas.

Ójala pudiera contaros más cosas de Bill, Rick, Maxime y Simon, pero a poco que os diga os spoilearé. Y mira que quiero contar cosas, sobre todo de Rick y Simon, de sus interacciones con Kieren y cómo éste es el catalizador para que inicien su nuevo camino y vean que no todo debe ocurrir como nos dicen, si no que somos nosotros los que tomamos nuestras decisiones.

Simon y Kieren

Como he dicho al principio In The Flesh se centra principalmente en la intolerancia, en el miedo a lo diferente, en las minorías oprimidas, en el odio a uno mismo y a los demás, la obligación de tener que encajar o ser como nos dicen que debemos ser, incluso hacen referencia al Síndrome de Estrés Post-Traumático sufrido por los soldados tras la guerra y cómo tienen que seguir adelante en la vida civil. Nos hace ver lo bueno y lo malo dentro de los dos grupos, ver posturas extremas que no conllevan a nada. Ver como el miedo sólo engendra más miedo y violencia. Sólo debemos cambiar la palabra "podrido" por cualquier otro insulto y la historia seguiría teniendo el mismo sentido. Además hay un rasgo de la personalidad de Kieren que le da incluso más fuerza a eso de sentirse el raro dentro de un grupo, a ser el que no encaja, el que tiene que esconderse, que hace que entiendas mucho más su forma de asimilar su condición de No-Muerto. Rasgo que aparece en el primer episodio y a mucha gente le sorprendió cuando se trata de una manera más directa más adelante porque no se lo imaginaban para nada.

El hecho de estar ambientada en Inglaterra y no en EE.UU. como todas las historias de zombies a las que estamos acostumbrados también juega mucho en su favor. Los ingleses siempre son más cercanos y realistas en su forma de tratar los aspectos visuales de sus producciones. No buscan tanto lo bonito, como lo auténtico. Las madres no parecen sacadas de revistas, los adolescentes no tienen sonrisas perfectas, con lo cual todo parece más creíble. Y esto es algo que, si habéis seguido mis reseñas, veréis que no me canso de decir en cuanto a las producciones inglesas frente a las americanas.

Cuesta creer que esta sea la primera serie de Dominic Mitchell, su trabajo, sin ser perfecto, es increíble. Todo lo que nos presenta está cuidadosamente entrelazado y según ha contado él mismo hay material para una tercera temporada, pero la BBC todavía no ha dicho nada al respecto y con el cierre de BBCThree, donde se emitía In The Flesh la cosa a día de hoy está en el aire. Incluso se ha iniciado una campaña vía el hastag #SaveInTheFlesh para que la serie se traslade a otra de las filiales de la BBC y siga adelante.

Creo que lo voy a ir dejando aquí porque me estaría horas hablando del aspecto social de In The Flesh y sus personajes, pero me parece que ya os ha quedado claro de que va la serie. La recomiendo, y mucho. Sí, es una serie de zombies, pero no tiene gore (bueno un poquito al principio) ni muertes ni persecuciones. Tiene drama y como no seáis capaces de soltar una lagrimilla al final de cada una de las temporadas es que vosotros sois los muertos y no Kieren, Amy o Simon.

ENLACES DE INTERÉS

Página oficial de In The Flesh
In The Flesh en IMDB