[Reseña] El Destino de Júpiter

Título original: Jupiter Ascending
Año: 2015
Duración: 127 minutos
Director: Lana Wachowski y Andy Wachowski
Productora: Warner Bros. Pictures / Village Roadshow Pictures / The Aaron Sims Company
Reparto: Mila Kunis, Channing Tatum, Eddie Redmayne, Sean Bean, Doona Bae, Douglas Booth, Vanessa Kirby, Jo Osmond, Christina Cole, Spencer Wilding
Género: Ciencia Ficción - Acción - Aventuras

Jupiter Jones nació bajo el cielo de la noche, y las señales apuntaban a que estaba llamada a grandes cosas. Aunque sigue soñando con las estrellas, su vida se reduce a la dura realidad de su trabajo como limpiadora de casas y a un sinfín de rupturas problemáticas. Y no es consciente del destino que la está aguardando hasta que Caine, un ex militar genéticamente modificado, llega a la Tierra para encontrarla; la razón es que Júpiter forma parte de una cadena genética extraordinaria que podría alterar el equilibrio de todo el Universo.

Había leído y oído tan malos comentarios y críticas de El Destino de Júpiter que, cuando me decidí a verla, me esperaba lo peor y la verdad es que, aunque la película no es buena, tiene algo que hace que la puedas ver. Es como si se pasara de mala y diera la vuelta a entretenida. No sé si me explico. No la he disfrutado por su guión o su historia, sino por las risas que me he ido echando viendo lo predecible de algunas partes, lo absurdo de otras e intentando recordar donde había visto antes otras partes.

El Destino de Júpiter, para mí, ha sido sobretodo, una amalgama de otras películas. No me digáis que no. Tenemos los portales de Stargate, la película, incluyendo la estética recargada y opulenta, cuando he visto la escena de Balem Abrasax en su nave al principio, no he podido evitar recordar a Ra en su nave Goaul'd en Stargate saliendo del sarcófago, con todo su séquito. Tenemos ese toque Star Wars que dan las batallas, pero la forma en que la capitana de la policia espacial mantenía el mando y su piloto medio elefante me recordaban al Comandante Ackbar y al copiloto del Halcón Milenario junto a Lando Calrissian. Toda la escena de la burocracia, aunque divertida, ya la había visto muy similar en Guia del Autoestopista Galáctico. ¡Teníamos incluso a Gargoyles! La serie animada de televisión con gárgolas, ¿la recordáis?. Y como no, teníamos The Matrix, mucho Matrix por todos lados.

Porque aunque tal vez de forma The Matrix sea la película que menos se parezca a El Destino de Júpiter, de fondo nos encontramos la misma historia. Que no se yó si será algo que ronda demasiado la cabeza de los Wachowski, autores también de The Matrix. Como pronto nos encontramos al protagonista que descubre todo un nuevo universo oculto para los demás, Neo descubre a Matrix, Júpiter la vida en otros planetas. Ambos protagonistas resultan ser los elegidos en esos nuevos mundos, uno es una especie de dios, la otra es el miembro más alto de la realeza espacial. Ambos son ayudados por personajes de dichos mundos, Trinity para Neo y Caine para Júpiter. Los protagonistas tienen que luchar por su sitio en ese nuevo mundo porque su aparición trastoca cómo está todo organizado, su llegada supone una revolución. Luego tenemos también la existencia de los Agentes o programas en Matrix y los Vigilantes de El Destino de Júpiter, personajes creados para integrarse de forma perfecta, adoptar cualquier forma y aniquilar cualquier amenaza que se les indique (¿No está de acuerdo Sr. Anderson?). No podemos olvidar tampoco la "recolección humana". En Matrix las máquinas cultivaban humanos como forma de energía, en esta película los seres superiores o humanos superiores cultivan planetas y poblaciones enteras para conseguir alargar sus vidas, el tiempo es el recurso más cotizado. Parece un recurso al que han vuelto los Wachowski, como los humanos, sin saberlo, estamos supeditados a fuerzas superiores para las que meramente somos una mercancía. Y ya comentando el final tenemos al protagonista que vive su nueva vida, sabiendo que existe ese otro mundo, pero sabiendo también que no puede decirle nada a nadie. Es más, hasta visualmente el final de ambas películas se parece: en The Matrix Neo cuelga el teléfono y sale volando sobre la gente sin que le vean, en El Destino de Júpiter, Júpiter disfruta con Caine sobrevolando Chicago sin que nadie se dé cuenta. Si hasta teníamos conexiones neuronales con ordenadores, el momento de traición de uno de los buenos y visitas a "oráculos" o similares, que aquí obviamente son las abejas.

Creo que donde más mérito se merece El Destino de Júpiter es en su diseño de producción. Las naves, su movimiento y como cambian de forma adaptándose a los giros. Los diseños de la refinería, los planetas... aunque, como ya he dicho, me recordaban al sobrecargado y egipcio Stargate, o al Star Wars de La Amenaza Fantasma y los modelitos de Amidala, tenían algo propio por otra parte. La mejor parte se la lleva quien diseñara el estilo de lucha y las armas de Caine. Las botas antigravedad y su escudo dan mucho juego visual. Como ya hicieran en The Matrix, los Wachowski demuestran otra vez que coreografiar escenas de lucha es uno de sus fuertes. Es de lo que más he disfrutado.

El problema es que El Destino de Júpiter no es The Matrix. Y mientras la segunda supuso una revolución en el uso de nuevas técnicas en el cine y hoy en día aún es recordada -al menos la primera, cuanto menos hablemos de la segunda y tercera parte mejor-, El Destino de Júpiter es un entretenimiento justito y más que nada porque te recuerda a otras muchas películas.

Hay momentos del guión que no sabes si los han sacado de un fanfic, como lo de las abejas, que sí, quedará todo lo bonito que quieras, pero es muy de fanfic. La verdad es que toda la película podría considerarse un fanfic MarySue de Stargate donde a la protagonista la rescata el chico perfecto, chico perfecto que es encima medio perro -perdón, lobo- y encima tiene alas. Toma ya, supera eso. Y otra cosa, ¿a nadie le ha extrañado que la familia Abrasax sea la única 100% humana? Porque todos los demás que salen o son híbridos -de rata, ardilla, elefante...- o son medio robos, o estan modificados. Tenemos a la realeza humana y a todos los lacayos y súbditos, vamos la gente de a pie, siendo todos inferiores genéticamente, mmm... sospechoso.

Por otro lado, las cosas como son, Caine Wise -¿qué a quién se le ocurrió llamar al medio-lobo Caine? que fonéticamente en inglés recuerda mucho a 'canine', o sea cánido, vamos, perro- será un ex-militar con poco que ofrecer, una vida muy dura, y encima es un fusionado genéticamente medio humano medio lobo -las orejas son adorables-, pero eso sí, al chaval hay que reconocérselo, se ha sacado el Máster Avanzado en hacer entradas triunfales en el último minuto para salvar a la chica. TODAS las veces que Caine aparece para salvarla es siempre de manera espectacular y en el último segundo. Ya sea disparando, destrozando naves, cayendo en picado para cogerla... El que vale, vale, y punto.

No soy muy fan de Channing Tatum, pero aquí hay que reconocerle que para el papel que tiene no lo hace nada mal como Caine. Mila Kunis como Júpiter, pseee, la pobre lo poco que hace es dejarse engañar una y otra vez, o secuestrar, para que Caine llegue justo en el momento exacto para salvarla. Si os fijáis, eso es El Destino de Júpiter, una escena tras otra en la que Júpiter está en peligro, sea por lo que sea, y Caine tiene que ir a salvarla, con entrada triunfal, por supuesto. Agradecer también la aparición de Sean Bean que *SPOILER* por una vez no muere, ¡gracias! *SPOILER*. Ha sido una grata sorpresa encontrarme con la cara de James D'Arcy nada más empezar la película, no sabía que salía, pero vamos, que su papel de 'Hola soy el padre, no me miréis mucho que muero en los primeros 5 minutos', no iba más allá, pero es que llevaba años sin saber nada de este actor y en nada de tiempo le veo aquí, en Agent Carter y en la segunda temporada de Broadchurch. Y como no comentarlo, Balem Abrasax, ese Eddie 'Ganador de un Oscar de la Academia' Redmayne. No podía hacer mucho más. Es divertido, por otro lado, que justo la película en cartelera cuando ha ganado el Oscar haya sido ésta, con una de sus actuaciones más flojas. Cada vez que salía tan sobreactuado en mi mente oía la voz en off de los tráilers diciendo eso de "Con el ganador de un premio de la Academia Eddie Redmayne" y no podía evitar la risa.

En fin, como véis no hay mucho por donde coger a El Destino de Júpiter, pero tan tan mala como la ponían algunos no es. Yo creo que el problema es que los Wachowski se gastaron en ella unos 175 millones de dólares y la verdad, no los vale, ni por asomo. Y claro, eso va a impedir que recaude el dinero suficiente para, al menos, ganar lo comido por lo servido, porque de beneficios me imagino que poquitos. Así que la película queda clasificada como fracaso total. Con una película algo más corta, no tanto efecto y más cuidado en los personajes les podría haber quedado algo decente. Ah! No! Que ya lo hicieron y se llamó The Matrix, que olvido más tonto.

No seré yo quien os diga si debéis verla o no. Es de esas películas que, aunque malas, hay gente a la que les gusta. Yo sigo sin entender el hype por Interstellar cuando a mí me pareció muy vacía de contenido y no tan innovadora como todo el mundo opina. Así que si os gusta disfrutar de películas por lo visual, con El Destino de Júpiter puede que tengáis una oportunidad. Yo me quedo con las escenas de lucha y las entradas triunfales de Caine y poco más. Decidid vosotros mismos.

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[Reseña] Agent Carter

Título original: Agent Carter
Año: 2015
Duración: 8 episodios de 45 minutos
Creador: Christopher Markus, Stephen McFeely
Cadena: ABC
Reparto: Hayley Atwell, James D'Arcy, Chad Michael Murray, Enver Gjokaj, Lyndsy Fonseca, Shea Whigham, Costa Ronin, Dominic Cooper, Kyle Bornheimer, Meagen Fay, Bridget Regan
Género: Acción - Thriller - Aventuras

En 1946, Peggy Carter debe equilibrar su rutinario trabajo de oficina que hace para la Reserva Científica Estratégica con ayudar secretamente a Howard Stark, que se ha visto involucrado en una trama de suministro de armas letales para el mejor postor. Y todo con la única ayuda de Edwin Jarvis, el mayordomo de Stark.

Agent Carter ha ocupado el hueco dejado en la programación de la ABC por Agentes de S.H.I.E.L.D. durante su parón de media temporada y ha cumplido con creces su función original, llegando incluso a superar a quien estaba sustituyendo. Y es que, aunque al final Agentes de S.H.I.E.L.D. acabó mejorando y enganchando al público, Agent Carter funciona desde el primer minuto que vemos a Peggy aparecer en pantalla con su sombrero rojo. La serie ambientada en el Nueva York de la post-guerra es interesante, adictiva, atrayente y divertida, y todo gracias en gran parte a que Hayley Atwell ha sabido llevar perfectamente el peso de la serie sobre sus hombros.

Cuando ABC anunció que haría una serie de Agent Carter estaba claro que iba a seguir la línea marcada por el corto con el mismo nombre donde veíamos a Peggy Carter formar parte de la SSR (Strategic Scientific Reserve), pero siendo ninguneada por ser mujer para al final ocuparse ella sóla de un caso y demostrar que tiene más valía que muchos de los hombres con los que trabaja. Y así ha sido. No podía ser de otra manera ya que incluso vimos esta caracterización marcada en algunos momentos en Capitán América: El Primer Vengador, porque no debemos olvidarnos que estamos en los años 40 y por aquel entonces la mujer tenía una posición en la sociedad y querer salirse de esa norma, obviamente, no era nada fácil. Peggy es tratada más como la secretaria de la oficina que un agente, pero eso luego jugará en su favor para poder pasar desapercibida justo delante de las narices de sus propios compañeros.

A la hora de entrar en acción Agent Carter no se corta un pelo. Hayley Atwell nos fue contando sus aventuras por Twitter a la hora de prácticar las coreografías de las escenas de lucha y la cantidad de especialistas a los que acababa mandando a casa con un ojo morado. Y no es para menos. No hay episodio en el que Peggy no tenga que vérselas a puñetazos con más de uno de los malos. Sabe defenderse igual o mejor que cualquier otro agente, pero eso de que sea mujer hace que nadie piense en ella.

Agent Carter se ambienta en la post-guerra, poco después del final de la guerra y de la muerte de Capitán América. Tratando además el tema de la vuelta de los soldados, ya sea porque han vuelto a sus puestos de trabajo, haciendo así perder a las mujeres que cubrieron ese puesto durante la guerra su sustento. O bien los que han tenido que volver a su anterior vida habitual totalmente cambiados. Ya sea de manera más notable, como el Agente Souza, que ha perdido una pierna, o el Agente Thompson, que esconde un trauma tras una sonrisa impecable.

Los agentes Daniel Souza y Jack Thompson son los más cercanos a Peggy en el SSR, Souza es el único que ve en ella a un agente capaz, pero al ser también ridiculizado por sus compañeros, es cobarde y no siempre sale en defensa de Carter, sobretodo ante Thompson, que representa el típico hombre pagado de sí mismo, y que una y otra vez se mete con Carter. Son personajes muy planos al inciarse la serie, pero conforme avanzan los episodios vemos como van viendo otra cara de Peggy Carter y cambian algo en su relación. Aunque Thompson siempre será un capullo por mucho que mejore. Tanto Enver Gjokaj (Souza) como Chad Michael Murray (Thompson) están muy bien escogidos para interpretar estos papeles.

Hayley Atwell es quien realmente lleva todo el peso de la trama y lo hace magníficamente bien, mostrándonos a la Peggy dura, pero también sensible. Es una mujer en un mundo de hombres y no puede dejarse amilanar por nadie. Debe mostrar su capacidad a cada momento y no dejarse pisotear. Y, además, de cara al público, debe seguir manteniendo la fachada de simple telefonista y mujer que lo que busca en la vida es un marido. Agent Carter es una de las pocas series de acción que cuentan con una mujer como protagonista, y no sólo protagonista, sino el nombre de la propia serie. Algo muy de agradecer hoy en día, porque aunque cada vez hay más mujeres en el género de acción suelen formar parte de un grupo y ser uno más, y nunca el jefe. Junto a ella el otro gran personaje ha sido Edwin Jarvis, interpretado por James D'Arcy. Ha sido muy gratificante ver como una serie americana, con una temática tan americana como sus agencias de inteligencia, Capitán América y la post-guerra, tenía a dos británicos por protagonistas. Y mira que Jarvis es británico. Que a veces le faltaba sacarse una tetera del bolsillo. Edwin Jarvis es el perfecto mayordomo, que por encargo de su jefe Howard Stark, ayuda a Carter a recuperar los inventos robados de éste y así limpiar su nombre. Jarvis es un hombre cuya mayor preocupación hasta ahora ha sido elegir el mejor menú o saber como echar a la última conquista de Stark de su apartamento. Y ahora se ve metido en un mundo de agentes secretos, conspiraciones, disparos y carreras. La verdad, es que lo hace muy bien, sin perder nunca esa flema británica, lo que lo convierte en un personaje divertido y a la vez adorable. Reconozco que encima, el hecho de haber visto a la vez a D'Arcy en la temporada segunda de Broadchurch, donde interpreta a un personaje totalmente distinto, ha hecho que le coja todavía más cariño a Jarvis.

La trama de Agent Carter ha sido sencilla en su ejecución, pero ha introducido numerosos detalles al universo cinematográfico de Marvel, así como a la historia de HYDRA y S.H.I.E.L.D., enlazando perfectamente con la primer película de Capitán América. De hecho, ver cómo han sabido introducir al personaje de Capitán América en la serie es una gozada. Steve Rogers está presente durante toda la serie, ya sea como la figura patriótica o como el amigo de Peggy y Howard.Y es que gracias a Agent Carter hemos conocido más de como los rusos también trabajaron en proyectos secretos durante la guerra, proyectos similares a los de la alemana HYDRA y que tienen repercusión en el futuro actual del universo cinematográfico de Marvel y de uno de sus Vengadores.

Eso es lo bueno de estas series de Marvel, que pueden profundizar mucho más en detalles sólo nombrados de pasada en las películas y pueden complementarlas sobremanera. Ya que tienen un mayor espacio para desarrollar la idea. Para mí Agent Carter ha sido en este sentido mucho más efectiva que Agentes de S.H.I.E.L.D., y con un guión mejor trabajado. Cierto es que contar con 8 episodios cerrados es más fácil, y trabajar con hechos pasados frente a hechos que ocurren actualmente en las películas de Marvel también. Pero, es que Agent Carter te deja una sensación de redondez al terminar de verla, y ganas de una segunda temporada en las que ahondemos más en la propia Peggy.

Si no la habéis visto ¿a qué estáis esperando? Agent Carter son sólo 8 episodios -y ya aviso que quiero más, dame más ABC-, su trama es sencilla, pero entretenida y amplia el universo de Capitán América y Marvel. Tenéis acción, drama, comedia. No se puede pedirmucho más, y encima Hayley Atwell está grandiosa.

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[Reseña] Constantine

Título original: Constantine
Año: 2014
Duración: 13 episodios de 45 minutos
Creador: David S. Goyer, Daniel Cerone
Cadena: NBC
Reparto: Matt Ryan, Harold Perrineau, Charles Halford, Lucy Griffiths, Angélica Celaya, Josh Woody Woodward, Emmett J. Scanlan
Género: Fantástica - Sobrenatural

John Constantine es un hombre atormentado por un hecho de su pasado, pero sus habilidades en el mundo de lo demoníaco y sobrenatural le convierten en un arma indispensable en la lucha de la humanidad contra la oscuridad que se está cerniendo sobre el mundo.

 Constantine ha supuesto el segundo intento por adaptar de manera audiovisual al personaje de cómic creado por Alan Moore en los 80. Si la película de 2005 de Keanu Reeves se quedó en un "Mejor lo olvidamos", la serie de la NBC, aunque más cercana al personaje, ha sido también un quiero y no puedo, pero con un resultado algo más acertado. Los 13 episodios que se han emitido podrían haber ido mucho más allá, pero se han quedado sólo en la superficie de las historias que mostraba Hellblazer.

Cuando se anunció que NBC adaptaría las historias de John Constantine, desarrolladas a lo largo de más de 20 años en las páginas de Hellblazer, fue mucha la expectación que se levantó. Sin embargo, un piloto filtrado en internet dió al traste con muchas de las esperanzas puestas por los fans. Una historia algo perdida y la falta de rasgos característicos del personaje hicieron que mucha gente se cuestionara si NBC sabía lo que hacía.

Y por lo visto después de 13 episodios todavía no está muy claro. Por de pronto, la filtración del piloto permitió introducir algunos cambios, como el hecho de que Constantine fumara. En los cómics nunca se separa de sus cigarrillos y en la serie no iba a aparecer fumando, los gritos de los fans cambiaron eso y hemos podido ver al inglés con más de un cigarro colgando de sus labios. Otra cosa que la serie no se ha atrevido a tocar es la bisexualidad de Constantine, hecha oficial en los cómics con mayor o menor polémica, pero bueno, tampoco ha tocado realmente ninguna relación actual de John.

Físicamente este John Constantine ha sido el más fiel a los cómics. El trabajo de Matt Ryan es impecable y menos mal que no tocaron su nacionalidad inglesa porque eso ya habría sido para matarlos. Lo han decidido trasladar a EE.UU. por eso de no poder grabar en Reino Unido, pero funciona. Rubio, descuidado, con su gabardina, camisa blanca, pantalones negros y corbata estrecha, Ryan ha dado todo lo que ha podido con este guión y destaca sobre los demás. John Constantine es un mago de las artes oscuras, caza demonios y ayuda en casos paranormales. Vemos su faceta seria, pero también cuando no tiene muy claro a lo que se enfrenta, pero él tira para delante sin miedo. Sabe que no es el mayor experto y que comete fallos -uno de esos fallos es el que atormenta su consciencia-, pero ha hecho las paces con su destino y lo afronta.

Un problema de la serie ha estado en sus secundarios, porque a veces importaban, otras no sabías que hacían ahí y luego no estaba claro que servicio hacían a la historia. Chas, la mano derecha de Constantine estaba más para ser el músculo cuando hacia falta, pero su manera de aparecer o desaparecer de la historia, según hiciera falta o no, quedaba rara, y al final sólo era un personaje que estaba ahí pero no ayudaba a la historia en realidad. Manny, el ángel del señor que en opinión de Constantine sólo está para tocarle la moral, tiene mayor repercusión e importancia en la historia, pero, como ángel que es, es misterioso, no siempre ayuda su aparición y al final si no es por su papel clave al final en el eje central de la historia no estaba muy claro que hacía ahí. Y Zed, no me hagáis hablar de Zed.

Zed es el personaje que yo eliminaba a la de ya de la historia. El problema de la serie Constantine es que cambió el rumbo tras el piloto cuando la actriz protagonista abandonó el proyecto y decidieron poner a otro personaje como protagonista femenina. En el caso de Liv ella era nueva en todo este mundo de lo sobrenatural, pero descubría una habilidad y se suponía que a lo  largo de la serie John iba a ayudarla a controlar y conocer ese poder. Con Zed quisieron hacer algo parecido, pero Zed traía una historia de un pasado oculto con ella y eso estropeó toda la trama en mi opinión. Zed parece demasiado interesada en entrar a formar parte del mundo de Constantine, le sigue hasta que él acepta ayudarla con sus visiones, pero ella siempre oculta algo y ese algo está demasiado presente como para fluir bien con las historias principales. Dando así lugar a un personaje que no sabes si es secundario o si en realidad es más importante Constantine. Además, lo siento, pero la interpretación de Angélica Celaya no ayudó mucho la verdad. Parecía siempre demasiado pagada de sí misma en unas ocasiones y con cara de niña traviesa rara en otras cuando no venía a cuento. Su forma de agachar la mirada y mirar a través de las pestañas para hacerse la interesante o contrita o triste o tímida o lo que fuera me ponía de los nervios. Cada episodio en el que ella no salía era mucho mejor que los demás. Y sí, ya sé que Zed es un personaje que sale en los cómics y ha sido pareja de John y es artista y todo eso, pero sigo opinando que su pasado -sacado de los cómics sí- está muy mal introducido en este universo televisivo de Constantine.
que el propio

La historia creo que ha sufrido mucho por eso de ser sólo 13 episodios y no dejarla fluir lo suficiente. Constantine podría haber dado mucho más de sí. Tenemos 25 años de historias con decenas y decenas de secundarios importantes y reconocidos de los cómics. La trama en realidad sabe a poco, porque deja demasiadas cosas en el aire y otras no ha acabado por explorarlas por completo prefiriendo pasar sólo por encima de ellas. Como es el caso de Jim Corrigan, utilizado en un par de episodios, con referencias a su futuro (ya sabéis a qué me refiero), pero que no sabemos si la cosa irá más allá o sólo ha sido una aparición puntual y ya.

Ahora el futuro de Constantine está en el aire. No se sabrá hasta mayo si la NBC decide darle una segunda temporada o si al final la serie puede que continúe en SyFy con el nombre de Hellblazer. A mí me gustaría que continuara, pero sea donde sea creo que los guionistas tienen que ser más valientes y mostrar más del universo de Constantine.

La serie al menos se deja ver. Aunque unidos por el tema de la oscuridad que se cierne sobre el mundo los episodios de Constantine se mantienen por su propio pie, no es necesario realmente verlos todos para ver de que va la cosa. Entretiene y sus efectos visuales están bastante conseguidos en algunos momentos, pero tampoco va más allá ni será una de las series de las que te acuerdes al cabo de años y quieras volver a revivir. Al menos sí puede decirse que está a años luz de la película de 2005 y ciertamente se ha acercado mejor a los cómics.

 

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[Reseña] The Missing

Título original: The Missing
Año: 2014
Duración: 8 episodios de 60 minutos
Creador: Harry Williams y Jack Williams
Cadena: BBC / Starz
Reparto: James Nesbitt, Frances O'Connor, Tchéky Karyo, Anastasia Hille, Émilie Dequenne, Jason Flemyng, Saïd Taghmaoui, Titus De Voogdt, Diana Kent, Arsher Ali, Joséphine de La Baume, Issaka Sawadogo
Género: Drama - Intriga - Policiaca

Nos cuenta la historia de la desaparición de Oliver Hughes durante unas vacaciones en Francia y como su padre Tony pasa años en busca del pequeño de cinco años, lo que ha ocasionado que su matrimonio haya fracasado y tenga ahora una relación tensa con su ex-esposa. Su obsesión consigue la reapertura del caso 8 años después y con la ayuda del policía que en su día investigó la desaparición, ahora está retirado, nuevas pistas saldrán a la luz.

Cuando lees de qué va The Missing no descubres nada nuevo: la desaparición de un niño inglés en Francia y como la tragedia rompe a la familia. Pero es la maestría del guión de los hermanos Williams, la gran dirección y un reparto que ha sabido estar a la altura, lo que hacen de The Missing una de las series que hay que ver este año.

La historia de The Missing nos es contada a través de dos líneas temporales: cuando ocurrió la desaparición en 2006 y en la actualidad, 2014, cuando Tony Hughes regresa a la pequeña ciudad francesa donde todo ocurrió convencido de que ha descubierto una nueva pista para poder encontrar a su hijo. Normalmente las historias contadas en dos líneas temporales o salen bien o fracasan estrepitosamente, porque no hablamos de simples flashbacks, hablamos de dos historias interconectadas. Y The Missing ha sabido hacerlo muy bien. En estos casos hay que tener cuidado de no dar más importancia a una línea temporal que a la otra, ni contar mucho de una y poco de otra. Aquí nos encontramos con una historia perfectamente equilibrada. Mientras es la línea de 2014 la que lleva el peso narrativo, es la línea de 2006 la que proporciona contexto y peso argumental a los hechos que van ocurriendo en la actualidad.

Cómo espectador quieres saber tanto cómo evoluciona la investigación actual como qué paso hace 8 años para que los personajes estén ahora como están: divorciados, alcoholizados, en la cárcel, con cojera... Además los mismos personajes que tuvieron gran importancia en 2006 vuelven en 2014 con el mismo peso en la historia, sin su papel hace 8 años la investigación no habría avanzado, pero su reaparición en 2014 es tanto o más importante porque amplía y culmina lo que empezaron en 2006.

El drama de una desparición infantil en un país extranjero no nos es extraño. Muchos recordamos todavía el caso de la pequeña Madeleine McCann, también inglesa desaparecida en 2007 en Portugal. The Missing nos lleva al terror familiar de la desaparición de un hijo en un país donde apenas puedes comunicarte y cuyas leyes y métodos no comprendes. Esto es algo que he agradecido mucho a The Missing, y es contar con actores franceses hablando en francés. Y es que es muy habitual ver personajes en películas o series que se van a otro país y todo el mundo milagrosamente habla inglés. Aquí no, están en Francia así que se habla en francés. Por supuesto que tenemos a los personajes importantes sabiendo hablar inglés para poder hablar con la familia y llevar adecuadamente la historia. Pero en cuanto no se dirijen a los Hughes hablan en francés, subtitulado en las ocasiones que es necesario para poder seguir la trama, pero cuando son frases de recurso se quedan tal cual. La verdad es que me ha venido muy bien para desempolvar mi francés que ya estaba algo oxidado. Dicho esto no os preocupéis, como he dicho cuando es necesario se subtitula y cuando no la conversación se mantiene en inglés para que tanto la familia del niño como el espectador sepan que está pasando. Sin embargo es un punto de realismo más en un guión muy bien trabajado, donde todo se va desarrollando con mucho cuidado y en su justa medida.

Un punto muy fuerte de The Missing son sus actores, encabezados por los padres a los que dan vida James Nesbitt y Frances O'Connor. A Nesbitt le reconoceréis por salir recientemente en la trilogía de El Hobbit como el enano Bofur -el del gorro gracioso y uno de los enanos más memorables-, O'Connor es más conocida en Reino Unido, sobretodo por su papel de Rose Selfridge en la serie Mr. Selfridge. Tchéky Karyo, actor tunecino criado en París, da vida a Julien Baptiste, el detective francés que hace lo posible y lo imposible para encontrar al pequeño Oliver, incluso 8 años después, estando ya retirado del servicio. Será la cabezonería de Tony Hughes con la ayuda de Baptiste lo que consiga reabrir el caso.

Con respecto a los padres se supone que la audiencia debe llegar a un punto de empatía con ellos, y mientras sí pude llegar a sentir el dolor de la madre, Emily, el personaje del padre, Tony, me pareció en momentos desagradable. Es una opinión totalmente personal, pero su forma de llevar la desaparición de su hijo fue algo que hizo que el personaje de alguna manera me pareciera odioso. Y es que mientras la madre sigue sufriendo 8 años después por lo ocurrido, el padre vive obsesionado, vive por y para encontrar a su hijo, convirtiéndose en el proceso en un alcohólico. Descubrimos durante la investigación que es un hombre violento, cuya primer pensamiento es golpear y luego preguntar y que todo quiere solucionarlo a su manera sin dejarse aconsejar. Y mientras en algunos momentos esa actuación ayuda a descubrir algunas cosas, en otros es lo que lleva a que la investigación pierda el rumbo. Tal vez la contínua cara de desesperación y enfado de Nesbitt fue lo que me echó para atrás, no sé. Por no hablar cómo se libra de las consecuencias de sus acciones en 2006. Creo que empaticé más con el personaje de Vincent Bourg, el pedófilo primer sospechoso de la desaparición y que ves como intenta convivir "siendo un monstruo y rehuyendo sus deseos".

Es la obsesión de Tony Hughes la que nos deja con un final, no diría abierto, pero sí inconclusivo para algunos, porque mientras se nos ofrece una solución, Tony quiere ir más allá y eso nos deja con una gran incógnita abierta al final de la serie que cada uno se tomará como quiera, ya que en ningún momento se aclarará lo que nos presentan.

Porque aunque se haya anunciado ya la segunda temporada de The Missing ésta no seguirá contando los hechos de la desaparición de Oliver Hughes. Como ya ha ocurrido en Fargo o True Detective, la segunda temporada de The Missing nos presentará un nuevo caso de desaparición completamente distinto y con otros personajes.

El drama que nos presenta The Missing es atrayente, intriga y nos deja en cada episodio con ganas de más. Vemos como los personajes van descubriendo poco a poco cosas del pasado que no sabíamos, mientras el propio pasado va dando forma a los personajes que vemos en la actualidad. Un gran guión, con una gran dirección y unas muy buenas interpretaciones conforman una de las grandes series de 2014, nominada a dos Globos de Oro como Mejor Miniserie y Mejor Actriz de Miniserie para Frances O'Connor.

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Página web oficial de The Missing en BBC
Página web oficial de The Missing en Starz
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[Reseña] Birdman o (la inesperada virtud de la ignorancia)

Título original: Birdman or (The Unexpected Virtue of Ignorance)
Año: 2014
Duración: 118 minutos
Director: Alejandro González Iñárritu
Productora: Fox Searchlight Pictures / New Regency Pictures
Género: Comedia - Drama - Meta

Después de hacerse famoso interpretando a un célebre superhéroe, un actor trata de darle un nuevo rumbo a su vida, recuperando a su familia y preparándose para el estreno de una obra teatral en Broadway.

 Birdman es una de las claras favoritas para la gala de los Oscar que tendrá lugar a finales de mes y donde opta a nueve categorías incluyendo Mejor Película y Mejor Actor. Elegida Mejor Película por los productores de América, Mejor Guión en los Globos de Oro, ganadora al premio al Mejor Reparto del Sindicato de Actores, y nominada también a 10 Baftas. Está claro que a la industria y a la crítica les gusta. Cuando se estrenó Birdman sólo había leído cosas buenas sobre la película, pero al llegar a España y empezar a leer críticas de espectadores fue cuando encontré las primeras reacciones negativas y ahora que la he visto entiendo porqué y eso que a mí me ha gustado. Me ha gustado sí, pero tampoco me ha parecido la obra maestra que nos quieren vender algunas críticas.

¿Y por qué parece que la crítica adora Birdman y el público tiene una opinión más bien encontrada? Ni más ni menos porque Birdman es una película sobre el mundo del cine, demostrando toda la técnica del mundo del cine para los del mundo del cine. ¿Os acordáis de aquello de "Todo para el pueblo, por el pueblo, pero sin el pueblo"? Pues lo mismo. Tenemos una película hecha para goce y disfrute de productores, actores, críticos, técnicos..., pero con un argumento que no es fácil que guste al público.

A mí me ha gustado precisamente por todo el metalenguaje de Birdman, y no hay que leer entre líneas para verlo. Tenemos a un actor marcado por un personaje de superhéroe que hizo hace años Batman Birdman, a un actor engreído que se dedica a cambiar el guión y a actuar por su cuenta (si creemos a las malas lenguas de Hollywood Norton no es muy agradable como compañero) y por si eso no fuera poco tenemos la eterna lucha entre Hollywood y Broadway.

Tengo que decir que lo de el cine comercial vs el teatro es lo que más me ha gustado. Esa clara referencia al cine de superhéroes y de acción (que me digan que el ataque del pajarraco a N. York que se ve no es una Vengadores o Transformers). Ese momento de 'nombremos a actores de renombre del cine independiente que se han pasado al cine de superhéroes'. Actores que triunfan sólo por su talento natural frente a actores que no pueden subirse a un escenario sin algún tipo de preparación académica. La taquilla de unos frente al talento de otros. La pulla a la prensa y la crítica que lanza la película me ha llegado, porque yo he vivido en ese mundo y es así: los periodistas te preguntarán sólo lo que quieren oír y luego publicarán lo que quieran, algunos críticos pueden destrozar carreras y obras sin ni siquiera haberlas visto, una mala crítica de teatro y adiós función.

Claramente Birdman es una tragicomedia sobre el mundo de la interpretación y todo lo que rodea. Pero es que además, para rematar la faena Alejandro González Iñárritu nos lo ofrece en un falso plano secuencia que dura casi toda la película, con unos planos muy fijados como si estuviéramos viendo una obra de teatro en lugar de una película. Es de entender que el plano secuencia se termine cuando cae el telón. Esta técnica tras la cámara nos recuerda a las primera películas del director, cuando todavía trabajaba en México y no había dado el salto a Hollywood. Y para los entendido de cine, que comprenden la complejidad detrñas de la técnica es un goce y disfrute. Para los neófitos o el público en general se hace pesado y con pocos cambios de puntos de vista. Además de esa música contínua y machacona de batería, una banda sonora que acompaña la vida de Thompson, el personaje de Keaton.

En cuanto a la interpretación todos están fantásticos. ¿Si creo que Michael Keaton se merece el Oscar? No sabría decir, porque prácticamente se está interpretando a sí mismo. Es un personaje que, seamos sinceros, interpretado por otro actor no habría dado tanto de qué hablar. Pero aquí tenemos otra vez el meta, un actor famoso por un personaje de superhéroe busca reconocimiento fuera de ese ámbito (y eso que mi Batman siempre es y será Keaton) Creo que como reparto coral las interpretaciones tienen más fuerza que en solitario. Aunque el trabajo de Edward Norton y Emma Stone, también nominados, es de calidad no creo que ganen tampoco.

Birdman es la película perfecta para conocer el mundo entre bambalinas, detrás de los focos y las luces. Cómo algunos actores viven más por la fama que por su trabajo, como algunos aún siendo buenos actores son insoportables como personas, y como todo tiene que funcionar en conjunto para darnos las obras y películas que luego, como público, destrozaremos o amaremos.

Y eso pasa con Birdman, ofrece al público algo que tal vez no es lo que se esperaba después de ver los tráilers. Sí, nos cuenta el intento de resurgir de un actor, pero nos está contando realmente lo que se cuece por detrás. De ahí que si la película hubiera terminado 5 minutos antes me habría gustado más. Pero ese final que se queda me ha dejado mal. Es lo que creo que  muchos espectadores más habrá molestado, porque 5 minutos antes teníamos todo el meta, y al final nos quedamos con una escena demasiado abierta a interpretaciones y a la propia locura del personaje de Birdman.

Mi recomendación si vais a ver Birdman es que os olvidéis de los tráilers y de la historia del retorno del actor. Centraros en la mala ostia de los productores, en el miedo a los críticos, en la búsqueda de la fama en Hollywood, pero a la falta de reconocimiento del trabajo. ¿Es mejor ser un buen actor o ser famoso? No es lo mismo. ¿Ser actor o ser una celebridad? A veces el juego que exige Hollywood deja a más de uno tocado, y eso es lo que vemos en Birdman.

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[Reseña] Galavant

Título original: Galavant
Año: 2015
Duración: 8 episodios de 22 minutos
Creador: Dan Fogelman
Cadena: ABC
Reparto: Joshua Sasse, Mallory Jansen, Karen David, Timothy Omundson, Genevieve Allenbury, Vinnie Jones, Luke Youngblood, Darren Evans, Ben Presley, Stanley Townsend, Sophie McShera, 'Weird Al' Yankovic, Hugh Bonneville, Ricky Gervais, John Stamos, Anthony Head, Rutger Hauer
Género: Comedia - Musical

La búsqueda de venganza del caballero Galavant sobre el rey Richard que le robó su único y verdadero amor: Madalena.

 Cuando ABC empezó a anunciar Galavant lo hizo con la frase "Gran espectáculo cómico" (Comedy Extravaganza) y no se quedó corta. Prometieron cuatro semanas de espectáculo y lo cumplieron, porque eso es justamente lo que ha durado Galavant, cuatro semanas, ya que los ocho episodios se emitieron de manera doble, dejando siempre con ganas de más. Y es que pocos podían imaginar que la comedia medieval musical Galavant acabara gustando lo que ha gustado. Y a mí me ha encantado.

Cierto es que para que te guste Galavant por de pronto te tienen que gustar los musicales, porque se tiran la mitad del episodio cantando, con número musical incluido. Y como ocurre en los musicales, las canciones avanzan la trama y los diálogos. Así que si no sois muy amigos de canciones y bailes Galavant no es vuetra serie.

Pero si no os importa tararear mientras estáis viendo la televisión, esta es vuestra serie. Creo que Galavant ha funcionado por el tono de comedia que le han dado. Una comedia absurda en algunos momentos, sarcática, haciendo chistes sobre sí misma en algunos momentos y donde ves que en algún momento hasta los propios personajes se ríen de sí  mismo. La historia es simplona: Galavant cree haber conocido al amor de su vida, Madalena, son felices, pero llega el rey Richard y secuestra a Madalena. Cuando Galavant acude a salvarla resulta que Madalena prefiere el oro y la riqueza del rey y le abandona. Así empieza la trama, con un Galavant deprimido y sin fuerzas al que acude la princesa Isabella para que le ayude a salvar a sus padres y su reino que han sido conquistados por el rey Richard. Galavant acaba aceptando pensando que así reconquistará a Madalena y parte junto a Isabella y su fiel escudero Sid hacia el reino de Valencia para derrotar al rey Richard. Por el camino se enfrentarán a retos y aventuras, mientras en Valencia Richard intenta ganarse a sus nuevos súbditos y conquistar a Madalena que no es tan maja como todos pensábamos.

A mi lo del reino de Valencia me mató un poco. Seguro que a los guionistas les sonaba muy medieval y antiguo, pero viviendo casi al lado de esa ciudad me partía cada vez que les oía nombrar el reino. Eso y que la famosa joya de la corona pareciera un trozo de Kryptonita sacado de Smalville. Pero ya os he dicho que la historia realmente es más bien simplona y busca la risa con cosas fáciles.

Creo que el éxito de Galavant más que en la historia ha estado en los personajes. Joshua Sasse como Galavant hace un papel muy divertido, es un caballero algo engreído y muy pagado de sí mismo, algo chulito, pero de buen corazón. Sin embargo quien roba el show por completo es Timothy Omundson como el rey Richard y su dúo cómico junto a su hombre de confianza Gareth, interpretado por Vinnie Jones.

El rey Richard es un personaje totalmente ridículo, infantil, tontorrón e inocentón en muchas ocasiones, con el contrapunto de Gareth, que es seco, malhumorado y al que no le gusta que le abracen (cosa que el rey no puede evitar hacer). Amigos, Gareth trata de ayudar al rey en lo que puede, pero Richard siempre la acaba liando de una manera u otra. Además, también cuenta mucho la relación del rey con Chef, un joven pequeño y enclenque que ahora se encarga de las cocinas de palacio después de que el rey matara a su padre, el anterior cocinero. Pero que al final actúa más como amigo que como siervo.

La serie de Galavant cuenta además con actores invitados como John Stamos, un caballero que cuenta chistes de "Tú madre...", Ricki Gervais, un mago algo venido a menos, Hugh Bonneville, un capitán pirata algo perdido en la vida, o Anthony Head, un caballero que da consejos, personajes de aparición corta, lo justo para tener su canción, pero con actores que no te esperas aparezcan en una serie como Galavant.

Como he dicho Galavant puede que no tenga la historia más original ni los mejores chistes, pero hace gracia, te ríes en el momento que toca y te saca la sonrisa. No pide mucho más. Además, las canciones, parte importante de Galavant si consideramos que es un musical, han estado en manos de Alan Menken, conocido por haber compuesto la música y canciones de algunas de las más conocidas películas de Disney como Aladdin (compuso Un Mundo Ideal), La Sirenita (suya es Bajo del Mar), La Bella y la Bestia, Pocahontas (Colores en el Viento) o la más cercana Enredados, por las que ha estado nominado 16 veces al Oscar, ganándolo otras ocho.

El final de Galavant después de los ocho episodios deja con ganas de más. Sobretodo porque después de liarla te deja la puerta muy abierta a más historias y más aventuras de Galavant. Espero que la cadena le de la segunda temporada que se merece, porque este "gran espectáculo cómico" necesita continuar.

 

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[Reseña] American Horror Story: Freak Show

Título original: American Horror Story: Freak Show
Año: 2014
Duración: 13 episodios de 55 minutos
Creador: Ryan Murphy y Brad Falchuk
Cadena: FX Network
Reparto: Jessica Lange, Sarah Paulson, Evan Peters, Michael Chiklis, Frances Conroy, Denis O'Hare, Emma Roberts, Finn Wittrock, Angela Bassett, Kathy Bates, John Carroll Lynch, Grace Gummer, Skyler Samuels, Naomi Grossman, Patti LaBelle, Jyoti Amge, Erika Ervin, Mat Fraser, Rose Siggins, Major Dodson, Gabourey Sidibe, Wes Bentley, Matt Bomer, Neil Patrick Harris, David Burtka
Género: Drama - Terror - Fantástico

Cuarta temporada de American Horror Story. Se ambienta en Florida, en los años 50, tomando como escenario un circo ambulante. Lange interpreta a una alemana que regenta unos de los últimos 'shows de fenómenos' de Estados Unidos.

Con Freak Show llegamos a la cuarta temporada de American Horror Story, pero como cada temporada es independiente -por lo menos hasta ahora que han anunciado que todas van a estar interconectadas de algún modo- voy a hablar de ella como si de una sóla serie se tratase, aunque será imposible hacer alguna que otra referencia a las anteriores temporadas.

Como es habitual en American Horror Story, Freak Show ha buscado tocar la fibra desde el primer momento: fantasmas, locos en un manicomio, brujas y ahora monstruos de feria. Podría decirse que esta es la temporada donde lo ha tenido más fácil, ya que las "deformidades" del alma que nos suele presentar esta serie están visibles en el exterior. Hombres langosta, mujeres forzudas, mujeres barbudas, hombres con aletas en lugar de brazos... nos han acompañado desde el primer episodio. Un episodio que le dio un fuerte comienzo a la serie que poco a poco se ha ido desinflando.

Creo que un poco como pasó con Coven, la anterior temporada, Freak Show ha andado algo perdido. Primero nos presenta una trama de asesinatos y un payaso homicida (que después de tanto bombo en las promos se queda prácticamente en nada), para luego cambiar totalmente de registro y empezar a dar vueltas con la trama del museo de rarezas que buscaba nuevos especímenes y los dos timadores. Por medio tenemos a Dandy, un niño mimado, y la historia de búsqueda de grandeza de Elsa, la dueña del circo interpretada por Jessica Lange.

Freak Show ha sido la última temporada de Jessica Lange en American Horror Story y creo que eso ha podido influir en su final. Lange siempre ha interpretado a mujeres que buscan el poder para ellas mismas a lo largo de toda su andadura en esta serie, pero sus personajes de una forma u otra acababan pagando por lo que habían hecho, o en un caso se redimían. Pero su final en Freak Show ha sonado más a despedida personal de la actriz que un final justo para su personaje.

Creo que el problema de Freak Show es que se ha basado en unos personajes muy vacíos de caracterización en el sentido que la mitad del reparto, los freaks del circo de Elsa, funcionaban como un único personaje. Todo lo que le ocurría a uno de ellos era sufrido por el grupo. Reaccionaban en unísono, dejándonos personajes a medio acabar y funcionando como una especie de colmena. Quitando los protagonistas de siempre: Evan Peters, Kathy Bates, Sarah Paulson y Angela Basset, los únicos realmente no "freaks" de la serie, que eran los que tenían una trama más cuidada. O no tanto en el caso de Basset, que a pesar de encantarme como encarnaba la fuerza de Desiree, sentí como al final quedaba relegada a un segundo plano y sólo aparecía en momentos justos para decir su frase y poco más.

Freak Show al final se convierte más en el show de Elsa que de sus monstruos, y es que aunque ella siempre dice que todo su espectáculo está por montado para ellos, en realidad ella es la que quiere brillar por encima de todos. Y así es, superando su historia propia a la del propio circo y sus ocupantes, que al final se convierten en simples marionetas para hacer avanzar la trama de Elsa.

American Horror Story siempre se caracteriza por hacer un importante giro de guión a mitad temporada y por no dejar a nadie, o casi nadie vivo al final de la temporada. En este caso el giro de guión no sé yo si llegó a funcionar de forma tan efectiva como en Murder House o Asylum, las dos primeras temporadas y que siguen siendo las mejores hasta ahora. En el tema de la muerte en Freak Show creo que ha pasado algo similar a Coven, que perdieron sentido. En Coven por el hecho de que todos los que morían volvían a la vida. Aquí porque el asesinato parece la única manera en la que los miembros de este circo saben lidiar sus asuntos. Sabías que en cuanto alguien hiciera algo de lugar acabaría muerto. No hay medias tintas. Pocas muertes realmente cumplen un cometido dentro de la trama si nos paramos a pensar.

Freak Show es más efectiva visualmente que sus antecesoras y su fotografía es de las que más me ha gustado de las cuatro temporadas, y tal vez eso es lo que le ha hecho perder fuelle en el guión. Estamos tan obnuvilados viendo a esta feria de monstruos, todos ellos actores reales, que no nos damos cuenta que su fondo está prácticamente vacío. Por no hablar de los números musicales que plagan los primeros episodios. No sé por qué decidieron que Freak Show debería tener números musicales. En Asylum el momento del personaje de Judy cantando en el manicomio funcionaba, aquí que casi todos tengan su momento de gloria encima del escenario cansaba, menos mal que los números musicales dejaron de salir porque no tenían ningún sentido.

Otra de las características de American Horror Story suele ser mostrarnos que a veces, el verdadero horror se oculta tras un bello rostro o algo hermoso, algo que no pensamos que podría ser malo. En Freak Show todo el mal ha venido producido por los "normales" y quien nos lo deja muy claro es el personaje de Dandy Mott, interpretado por Finn Wittrock, tal vez uno de los mejores personajes. La psicopatía de Dandy es el verdadero horror de la serie, los freaks a su lado son los normales, mientras él es el que verdaderamente no sabe encajar en ningún sitio.

Un reconocimiento especial se merece Sarah Paulson por su personaje doble de Dot y Bette Tattler, las hermanas siamesas que comparten un cuerpo con dos cabezas. Paulson trabajó con una cabeza protésica y con planos dobles a lo largo de toda la serie. Además de tener que dar vida a dos personajes muy diferentes, tanto en voces como en gestos, siendo Dot más racional y Bette más sentimental. Pero el que parecía ser un personaje que centraría la historia al principio en muchos momentos desaparece por completo de la historia.

Una de las cosas que me gusta de American Horror Story desde la temporada de Coven y la introducción de Kathy Bates, son las conversaciones que su personaje mantiene con el de Jessica Lange, siendo como hermanas en algunos puntos, pero prácticamente enemigas mortales en otros. Aquí Bates es Ethel,  la mujer barbuda, el verdadero corazón de este circo de freaks y la única que podría plantarle cara a Elsa, pero que decide mantenerse siempre en un segundo plano.

Creo que el problema de Freak Show, al igual que en Coven, es que las tramas no parecen estar tan bien cerradas como en Murder House o Asylum. Mientras en las dos primeras veías como todo llevaba hacia un punto, aquí el final es más bien en plan: bueno hemos llegado al último episodio, que todos mueran, dejamos a un par para que cuenten la historia y así queda todo cerrado. Apresurado y sin tanto cuidado.

Ahora Ryan Murphy y Brad Falchuck nos han dicho que a partir de la quinta temporada de American Horror Story veremos como todas las temporadas están unidas entre sí. El episodio de Freak Show basado en la historia de Pepper ya nos dejó entrever algo y nos mostró cómo un personaje de Asylum podía aparecer aquí también. Posiblemente este fuera el mejor episodio de la temporada y eso que no hizo nada para avanzar la trama, sino que sólo creo el entramado para esos posibles nexos que veremos en un futuro.

American Horror Story ha ido perdiendo fuelle poco a poco y ya no sorprende como antes. Si Murder House sorprendió a crítica y público, para que luego Asylum confirmara su valía -a pesar de los aliens que aún no sé qué pintaban en toda esa historia-, Coven y Freak Show son los puntos débiles de la cadena. Aunque mucho mejor que Coven, que a veces dejaban mucho que desear, Freak Show no ha vuelto a las grandes tramas a las que nos acostumbraron Murphy y Falchuck.

 

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American Horror Story: Freak Show en IMDB

[Reseña] Big Hero 6

Título original: Big Hero 6
Año: 2014
Duración: 108 minutos
Director: Chris Williams, Don Hall
Productora: Walt Disney Animation Studios / Walt Disney Pictures
Género: Animación - Aventuras - Superhéroes

En la metrópolis de San Fransokyo (cruce de San Francisco y Tokio), vive Hiro Hamada, quien aprende a sacar provecho de su capacidad gracias a su brillante hermano Tadashi y sus también brillantes amigos: la buscadora de adrenalina GoGo Tamago, el meticuloso de la limpieza Wasabi-No-Ginger, la genia de la química Honey Lemon y el fanático de los cómics Fred. Cuando tras un devastador giro de los acontecimientos, se ven envueltos en una peligrosa conspiración que tiene lugar en las calles de San Fransokyo, Hiro recurre a su amigo más íntimo: un robot llamado Baymax, y transforma al grupo en una banda de héroes de última tecnología decididos a resolver el misterio. Adaptación animada del cómic de Marvel.

Lo primero que tengo que decir es: ¡QUIERO UN BAYMAX!, hala, ya está. No necesitáis saber nada más. ¿Qué más da que esté nominada al Oscar, Bafta, al Globo de Oro, al Critic Choice Award y a otros muchos premio más como Mejor Película de Animación? Baymax es el robot más achuchable y adorable que podáis encontraros, y su relación con Hiro, donde los dos aprenderán a expresarse emocionalmente es una gozada de ver. Una película de animación para niños dicen, pero cuando fui a verla la espectadora más pequeña de la sala tenía 24 años, así que rompamos ya los esterotipos de que las películas de animación son sólo para críos. Todos podemos disfrutar con ellas, y Big Hero 6 en el fondo es una película de superhéroes, como las de Marvel. De hecho está basada en un cómic de Marvel. ¿Qué más da si no sale Robert Downey Jr., pero sí un robot de vinilo tontorrón? Tenemos robots por un tubo como para tener contento a Tony Stark durante un rato.

Y es que el protagonista de Big Hero 6 es también un genio de la robótica. Hiro Hamada tiene 13 años y ya se ha graduado en el instituto. Aburrido y sin saber muy bien que hacer ahora con su vida se dedica a participar en competiciones de lucha de robots ilegales con sus propias creaciones. Su hermano mayor, Tadashi, está estudiando robótica en la Universidad y será él quien le haga ver que su "don" puede tener muchas más salidas que simples peleas de robots.

Así conocemos a los amigos y compañeros de universodad de Tadashi y que luego se convertirán en amigos del pequeño Hiro. Y como no, a Baymax, un robot de cuidados sanitarios personales creación de Tadashi. Baymax es regordete y de aspecto afable, en palabras del propio Tadashi, "Buscaba darle un look achuchable", y lo consiguió. Como todo robot que se precie Baymax se toma todas las órdenes literalmente, su obcecación por el bienestar de Hiro y por hacer bien su trabajo son realmente entrañables.

Es cuando parece que toda la vida de Hiro se ha encaminado y tiene un futuro brillante por delante cuando ocurre la desgracia que todo buen superhéroe necesita para iniciar su camino. Un supervillano hace su entrada y Hiro decide cambiar algo la programación de Baymax para conseguir un superhéroe. Y lo consigue, aunque sea un superhéroe algo... especial, digamos. Y muy muy divertido.

Pero Baymax no puede enfrentarse sólo al malo de la película y es ahí cuando el grupo de amigos se convierten en Big Hero 6. Cada uno de ellos, Gogo, Honey Lemon, Wasabi, e incluso Fred, tienen una especialidad o trabajo en ingeniería que queda claramente patente en su diseño de superhéroe. La velocidad de Gogo, las fórmulas químicas de Honey, los láseres de última generación de Wasabi, y la obsesión por el fuego y los lagartos gigantes de Fred. Sí, el traje de Fred es el más hilarante de todos, pero totalmente acorde con su personalidad alocada y desenfrenada. Ver al largarto gigante escupiendo fuego y saltando como loco en mitad de la batalla era digno de ver.

No sé si porque la película está basada en un cómic de Marvel, o porque algunos momentos Hiro se me asemejaba mucho a Tony Stark, pero las secuencias en las que el niño programa, crea y prueba el traje de Baymax me recordaron muchísimo a la primera película de Iron Man, con Stark encerrado en su garaje acompañado de Dummy e intentando hacer que el traje fuera una realidad. Las tortas de Baymax y las tortas de Tony controlando el vuelo del traje, la facilidad o poca facilidad de ponerse y quitarse el traje, la destrucción sin querer de paredes probando armas...

El que Big Hero 6 sea una película de animación no la deja fuera de una fuerte carga emocional. Nuestro protagonista está en plena pubertad -como Baymax recuerda más de una vez de forma muy divertida- y la trama de la historia está cargada de momentos muy emotivos. Como tratan el tema de la venganza y el dolor por una pérdida es muy bueno. Tenemos muerte, superación, amistad, trabajo en equipo y un supervillano ¿qué más se puede pedir? Y también es realista, en el sentido que los chicos se visten de superhéroes, pero por mucho que hayan entrenado no saben realmente enfrentarse al malo, y no será hasta que aprendan a unir sus habilidades cuando su verdadera fuerza salga a la luz.

Pero a pesar de sus momentos de lagrimillas, que los hay y muy importantes, Big Hero 6 también tiene sus momentos de humor y es que Baymax es un consumado cómico y sin necesidad ni de hablar. Una simple escena en la que necesita desincharse tuvo a toda la sala de cine llorando de la risa. Y es que el clásico ruidillo de globo todavía nos hace reír a todos. No son chistes rebuscados ni sofisticados, pensemos que es una película dirigida a un público infantil, pero funcionan. Funcionan tanto en niños como en adultos. Toda la escena de la batería baja es oro puro.

En cuanto a la animación el diseño de personajes y en general es, a mi parecer, genial -me encantaron los gatos regordetes y el diseño entre futurista y tradicional japonés de la ciudad. Nos encontramos de nuevo con una animación en 3D, con colores muy brillantes y un diseño muy característico para cada uno de los personajes, tanto en su ropa habitual como en su uniforme. Uniformes que captan la personalidad de cada uno de los jóvenes como el lagarto gigante de Fred. Sí, caen en el problema de que durante toda la película cada personaje sólo tiene un mismo conjunto de ropa, pero eso suele ser habitual en la animación y ya aprendes a pasarlo por alto.

La única pega de la película es esa horrenda versión de la canción final de créditos, Inmortals, que en la versión original está interpretada por Fall Out Boy, pero en España tenemos que sufrir a las Sweet California y su Inmortales que poco tiene que ver.

Big Hero 6 reúne todas las características de una película de animación de Disney con las de una película de superhéroes de Marvel. Tenemos robots regordetes, amistad, aventuras y un ritmo narrativo que no decae en ningún momento. Puede que la historia sea simplona, que la sorpresa del villano te la veas venir, pero aún así no te importa porque estás disfrutando de la visualidad de la película y cómo te lo están contando. Y tengo que mencionar que el sistema ese de teletransportación en mi casa de toda la vida se ha llamado Stargate, sólo por comentarlo. Que fue ver los trozos rotos y una amiga y yo pensar inmediatamente en el Stargate con su forma circular, sus chaurones y su horizonte azul.

No tengáis miedo de ir a verla porque Big Hero 6 parezca una película para críos. Baymax os conquistará el corazón con sus piernas cortitas y si forma amorfa. Como una simple cara redondeta con dos ojillos negros puede expresar ternura es difícil de comprender, pero lo consigue. Comedia, aventuras y acción para todos los públicos.

Ah! Y por muy película de Disney que sea, Big Hero 6 en el fondo es 100% Marvel así que no os olvidéis del cameo de Stan Lee ni de la escena de después de los créditos finales.

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[Reseña] The Imitation Game (Descifrando Enigma)

Título original: The Imitation Game
Año: 2014
Duración: 114 minutos
Director: Morten Tyldum
Productora: The Weinstein Company / Black Bear Pictures / Ampersand Pictures
Reparto: Benedict Cumberbatch, Keira Knightley, Mark Strong, Charles Dance, Matthew Goode, Matthew Beard, Allen Leech, Tuppence Middleton, Rory Kinnear, Tom Goodman-Hill, Hannah Flynn, Steven Waddington, Alex Lawther, Jack Bannon, James Northcote, Ancuta Breaban, Victoria Wicks
Género: Drama - Biográfica - Thriller

Biopic sobre el matemático británico Alan Turing, famoso por haber descifrado los códigos secretos nazis contenidos en la máquina Enigma, lo cual determinó el devenir de la II Guerra Mundial (1939-1945) en favor de los Aliados. Lejos de ser admirado como un héroe, Turing fue acusado y juzgado por su condición de homosexual en 1952.

The Imitation Game (Descifrando Enigma) es una de las películas que está apareciendo como favorita en todas las listas de premios con nueve nominaciones a los BAFTA, cinco a los Globos de Oro, seis nominaciones en los Critic Choice Awards, tres del Sindicato de Actores (SAG), ganadora del Premio del Público en el Festival de Cine de Toronto y podría seguir todavía más. La historia de Alan Turing se nos muestra en esta película con un verdadero toque británico, tocando un poco de todo sin llegar a profundizar en ningún aspecto concreto, aunque su trabajo en el descifrado de la máquina Enigma sea la que centre la trama. Un reparto tirando a coral , encabezado por un soberbio Benedict Cumberbatch son las mejores bazas de esta película, que si bien tal vez no llega a emocionar tanto como esperaba, hay que admitir que tiene una ejecución perfecta.

La figura y logros del matemático Alan Turing se han perdido a lo largo de los años, principalmente debido al secreto que recubrió todo su trabajo durante la Segunda Guerra Mundial y a que su nombre quedó manchado tras ser condenado por conducta indecente debido a su homosexualidad. En los últimos años varias biografías de Turing han intentado devolver al británico al sitio que le corresponde en la historia, consiguiendo en 2013 que la reina Isabel II le concediera el indulto póstumo. The Imitation Game está basada en una de esas biografías y trata de abarcar varios puntos de la vida de Turing como fueron su adolescencia, su periodo como criptógrafo en Bletchley Park durante la Segunda Guerra Mundial y el momento en el que fue condenado por homosexual años después.

Uno de los aspectos que me parecieron más interesantes de The Imitation Game es su montaje. Es verdad que se acude al socorrido "Déjame contarte mi vida", pero creo que la edición final de la película es muy buena, ya que, aunque realiza saltos en el tiempo no lleva al espectador a perderse en ningún momento. Empezando en los años 50 la película nos lleva enseguida a 1939, para ir avanzando durante la guerra con algún que otro salto temporal, volviendo de vez en cuando a los 50 y en algunos momentos cuando la personalidad de Turing necesita presentarse de manera más profunda llevándonos a 1928. Es un viaje por la vida de Turing, aunque centrada en sus años durante la guerra, cuando realizó su mayor trabajo como matemático e inventó lo que hoy se considera prácticamente el primer ordenador y la codificación de la programación de software.

Es cierto que mucha gente tal vez se esperara un mayor hincapié en su faceta de matemático, pero la película se centra en Turing más como persona. Nos explica lo justo su trabajo en Bletchley Park, sabemos que construye una máquina para enfrentarse a una máquina, pero en ningún momento nos explican cómo funciona realmente esa máquina, se supone que nosotros debemos comprenderlo más o menos, me imagino que para no aburrir a la gente que no entienda de programación o similares.

También he leído por ahí que The Imitation Game es una película muy fría. Creo que esto puede deberse a la propia racionalidad de Alan Turing. Tenemos como eje central de la película a una persona a la que le costaba mucho empatizar y socializar y eso puede hacernos parecer que la película carece de emoción, pero todo lo contrario, lo que tiene es sentimiento británico. Y es que pese a tener un director noruego, Morten Tyldum, The Imitation Game es la quintaesencia británica. Correción, decoro y saber estar llenan la pantalla. Los únicos momentos donde la emoción se desborda es precisamente cuando Turing se emociona, y  casi siempre suele ser en relación con el personaje de Joan Clarke, interpretado por Keira Knightley. Dos son los momentos claves de esta relación, uno en Bletchley Park y otro al final de la película, donde podemos ver a Turing, o en este caso a Cumberbatch, realmente mostrando su emoción hacia el exterior.

Benedict Cumberbatch realiza en ese sentido un trabajo soberbio, sobre él recae todo el peso de la película, presentándonos a ese Turing algo inepto socialmente, poco conocedor de las relaciones humanas, y con una visión totalmente diferente del mundo. Ver como poco a poco su relación con sus compañeros de Bletchley Park evoluciona es una gozada. Físicamente Cumberbatch ha intentado en la mayor medida de lo posible reproducir la forma de hablar y los manierismos de Turing (algo difícil de conseguir ya que no existen grabaciones de él y sólo pudo contar con narraciones y descripciones de familiares y amigos), pero es su relación con los demás personajes, donde su gran actuación cobra vida. Mucho de este gran reparto se debe a la gran elección de Knightley, Matthew Goode o Allen Leech, los actores formaron un verdadero equipo durante el rodaje y se nota. Goode, Knightley y Cumberbatch son amigos desde hace años, y han llevado su camadería hasta el otro lado de la pantalla. 

La actuación de Cumberbatch es uno de los puntos más fuertes de la película, no en vano ha sido nominado a Mejor Actor en varios de los premios que he mencionado al principio, pero también son destacables las actuaciones incluso de los secundarios como Charles Dance o Mark Strong, representando uno el control del ejército y el segundo la subversión y la ocultación de los servicios del MI6. La actuación de Strong es realmente encomiable.

The Imitation Game lo que busca como finalidad es demostrar el gran daño sufrido por Alan Turing y creo que lo consigue. Al final de la película logra demostrarnos lo que el matemático sufrió a lo largo de toda su vida y como su carrera se vió truncada prematuramente (sólo contaba 42 años) por culpa de su condición homosexual. Es cierto que el algunos puntos la película se toma licencias, ¿pero que biopic de Hollywood no lo hace? Siempre se introduce alguna subtrama o dato inventado para crear más tensión o dramatismo. Ésta no es la primera ni la última película que lo hace.

En resumen The Imitation Game cuenta unos hechos que fueron realmente relevantes durante la Segunda Guerra Mundial y que durante años permanecieron enterrados en el más absoluto de los secretos. La descodificación de los mensajes alemanes y el posterior trabajo de los servicios secretos británicos consiguieron adelantar el final de la guerra unos dos años evitando millones de muertes. Su propósito era que el gran público conociera esos hechos y la labor de Alan Turing en ellos y lo consigue. Además, el modo en el que nos pone en situación en como se está desarrollando la guerra utilizando metraje de documentales e informativos de la época es muy bueno. Sigo diciendo que el montaje es una de las mejores bazas de The Imitation Game junto a las actuaciones. Además de que la música de Alexandre Desplat inunda de manera impecable todo el metraje.

No puedo hacer sino recomendar ver The Imitation Game, ya que a mí me ha encantado, eso sí no esperéis un ritmo frenético de acción o algo parecido. Estamos hablando de una película sobre criptógrafos, gente que pasaba su tiempo libre haciendo crucigramas. Con un protagonista encarnado en Benedict Cumberbatch que sólo logra salir un poco de su caparazón gracias a la ayuda del personaje de Knightley y que aún así le cuesta relacionarse con la gente. Si lo que buscais es algo 100% británico sobre la historia no contada de la Segunda Guerra Mundial entonces sí que disfrutaréis en su máxima expresión de The Imitation Game.

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